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La semana del Arte en Madrid. Visión de uno que SOLO vive de esto.

Lunes, febrero 18th, 2013

Esta mañana se me ha inundado la cocina. Se ha salido de su sitio la manguera de entrada de agua en mi lavavajillas. Es nuevo y me lo instalaron la semana pasada.

No es un dispositivo de alta tecnología, es una rosca de manguera hembra que va cogida a una rosca de manguera macho. El operario que la montó, trabajador del comercio donde la compré, es el que se encarga en dicho lugar, de ese trabajo. Lo hizo mal…No porque no supiera hacerlo, sino porque simplemente dio por bueno un servicio que hace todos los días dejando al destino…a la casualidad…o a la suerte el resultado del mismo.

Las Ferias de Arte que yo vi la semana pasada tenían el mismo defecto, stand vendido, galerías participantes y artistas cualesquiera haciendo un trabajo vulgar bajo el epígrafe del “todo vale” y de la “supuesta” contemporaneidad,

Yo que me tomo las cosas en serio y más cuando me va en ello mi forma de ganarme la vida, no entiendo esta manera de hacer las cosas. El desaliño en mostrar la obra o lo que es peor en  producirla.

Sé, porque lo he sufrido, que ARCO acapara la atención de todo el mundo. Es el centro, triste centro por cierto, de un país de un subdesarrollo cultural supino y donde el criterio personal ha sido arrastrado al abismo por los medios de comunicación

Pero lo verdaderamente triste es que las Ferias paralelas, nacidas como una verdadera alternativa a ese bodrio que se toman en serio los españolitos que no ven más allá de nuestro carpetovetónico país, hayan terminado intentando imitar la vulgaridad, el esperpento o la más hortera provocación de la “Feria Madre”.

Nuestra Galería lleva 14 años asistiendo como participante en una u otra Feria de Arte en Madrid. Para nosotros es esencial sino vital, poder mostrar la obra de nuestros artistas fuera del ámbito normal de El Quatre.

Por primera vez en todos estos años no hemos estado. Nos dio miedo el cambio de ubicación de Art Madrid y aunque una vez visto el nuevo espacio nos ha sorprendido positivamente (pensábamos que iba a ser peor), el lugar sigue sin tener las condiciones adecuadas tanto para el público como para los expositores. Es estrecho y cuando se llena de gente es agobiante. La publicidad es mínima pero es verdad que la “FERIA” esa semana lo acapara todo. Pero lo peor es lo de siempre, artistas noveles (Feito, Millares, Tapies, etc…) acaparan la atención. Donde está la proyección de nuestros nuevos artistas…? Donde está la apuesta de riesgo. Y como casi siempre cuando se abre la puerta a los jóvenes se abre mal. Entonces todo vale, cualquier inútil vale. La falta de talento se desborda….

No había podido nunca visitar JustMad, no puedes estar en misa y repicando…Creí que podía ser una buena alternativa, algo fresco y nuevo…Este año si, he podido verla. Vamos a ser modernos y apreciar el espacio…Un parking de un hotel, cuando menos, es una forma nueva de presentar una Feria, informal… en fin, güai. Pero es un espejismo. La vulgaridad y el desprecio al visitante son notorios. Y en el fondo, lo terrible, es que todo o casi todo atufa a un “yo no me gano la vida con esto”, esto es un hobby porque soy actual y moderno. Señores, las cosas hay que presentarlas como es debido, si, ya se que son una porquería pero por eso mismo, la presentación es importante…

En fin dándole vueltas al tema, la cosa está difícil porque la falta de educación y el borreguismo ha llevado a una situación verdaderamente caótica en este país. Cualquiera se considera artista, cualquiera se considera galerista y finalmente, cualquiera se considera coleccionista.

Yo por mi parte, seguiré a contracorriente, mira tu…haré las cosas bien hechas.

 

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El Potencial de las Industrias Culturales y Creativas

Viernes, octubre 7th, 2011

Ayer jueves 6 de octubre, en la jornada organizada por el Ministerio de Cultura, recibimos una dosis de optimismo para todos los emprendedores culturales, así como unas pautas futuras sobre las que debemos reflexionar.

Se agradece lo concreto y conciso de los temas y la poca duración de las ponencias. Un día intenso y provechoso.

Se repite en todos estos tipos de eventos: La Cultura es un sector de futuro. Así lo recoge el libro verde sobre el potencial de las industrias culturales de la UE. Educación, cultura, creatividad, talento,…estos son los ACTIVOS con los que debemos trabajar.

Un sector que en la actualidad supone el 4% del PIB español y 750.000 empleados.

Eso sí, todo este talento y creatividad, debe tener una gestión empresarial. Ya va siendo hora de que todas las pequeñas empresas culturales nos formemos con técnicas empresariales y tengamos una metodología de trabajo.

Siempre que se tratan estos temas, mi decepción surge en cuanto miro la lista de los más de 300 asistentes a la jornada y veo que tan solo diez galerías de arte de toda España se han interesado por esta jornada. Que nos pasa a los galeristas?, no somos conscientes de que debemos mejorar nuestra gestión  ?

No conseguimos ser un sector como tal, los individualismos no nos dejan, y además no nos interesa la formación. Como afrontaremos el futuro ?

Cultura, negocios, mercados internacionales, emprendedores, empresarios, gestión, financiación, proyectos comerciales, innovación, plan de negocio, préstamos participativos, nuevos modelos de negocio,…

Un día destinado a prestigiar la cultura y a apoyar a los emprendedores.

Ver la creatividad como un valor añadido: hay que acercar la creatividad al mundo empresarial externo a la cultura.

Seamos conscientes de que la cultura crea imagen de país.

Vamos a ver si proceso toda la información recibida y la aprovecho para buscar esta oportunidad que me está esperando. Seguro que me será de gran ayuda para mi visión de futuro de mi pequeña empresa cultural. Me alegra ver que no soy la única que ve con ilusión un futuro en que la cultura será la base de una nueva sociedad más tolerante y más comprometida.

Rosa Ferrer Auxán

Directora.

El Quatre, sala d’Art

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El color bajo la lluvia, Jaume Arisa

Miércoles, octubre 5th, 2011

Pocos artistas por desgracia, se fijan como se fija Jaume Arisa en el trabajo de los demás. Siempre hay algo que aprender según él. Su estilo es inconfundible, trabajado y creado bajo la observación de toda la pintura posible a su alcance, con los años, este joven artista ha ido evolucionando de una manera continuada y a excepción de la temática, nada tiene que ver su obra actual a la de cuando lo conocimos.

Los paisajes clásicos, de playas sobretodo han dado paso a las calles de las ciudades y los tonos grises de us primeras obras han ido coloreándose hasta convertirse en una pintura muy llamativa. El collage de sus últimas obras, pue to con delicadeza abre nuevas perspectivas.

Las calles mojadas y la luz de las mismas tras la lluvia son su peculiaridad temática. Y el tránsito tanto de los coches como de los peatones de las tardes de la ciudad, de cualquier ciudad, Barcelona, Madrid, Nueva York, París o Venecia. Su observación termina por poner al espectador en situación y lo hace adentrarse también en el bullicio.

Jaume Arisa ( Manlleu, 1964) con su evolución constante nos permite pensar en nuevas experiencias con su pintura, nuevas sorpresas en su trayectória.

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El valor de lo femenino en la escultura de Rocio Villatoro

Jueves, septiembre 29th, 2011

La elegáncia y la grácia son presentes en la escultura de Rocio Villatoro,  el valor de lo femenino puesto a disposición del Arte. Su obra es figurativa y entraría dentro de los cánones de lo más acádemico pero no lo es en absoluto.

Completamente contemporánea, la escultura de Rocio Villatoro incorpora elementos al bronce con el que trabaja , metacrilato, fotografía digital combinando todos ellos para realzar los sentimientos que quiere transmitir.

Como decimos, lo femenino en su parte más gracil es lo que comunican sus obras. La figura tratada no solo en posición sino dentro de un entorno completamente adecuado para dar el efecto deseado.

Licenciada en Bellas Arte por la Complutense de Madrid donde nació en 1973 también ha hecho estudios de diseño por ordenador que le han ayudado a esta creación de un nuevo concepto en la escultura figurativa.

Sus niñas como ella gusta llamarlas forman parte de un mundo actual y lo reflejan perfectamente.

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El realismo impactante de Juan Miguel Palacios

Lunes, septiembre 5th, 2011

Conocimos a Juan Miguel Palacios en DeArte Feria en la que nosotros también participábamos. Presentaba autoretratos y su pintura nos impactó inmediatamente.   Realizadas en gran formato y de un trazo extraordinariamente expresivo i realista. Con mucha fuerza. Decidimos incorporarlo a la plantilla de nuestra Galería por su juventud y porque significaba un nuevo concepto en la figuración que trabajamos.

En 2007 pues, realizamos su primera individual. Con el título de “Ingrávidos” la exposición estaba formada por telas de gran formato con figuras flotando en el aire que transportaban al espectador a un mundo etéreo y sugerente.

En 2010 realizamos una segunda exposición individual “Emociones”, donde Juan Miguel esta vez presentó retratos en gran formato de mujeres en primer plano. Unas eran ancianas,  otras jovenes. Contraponía la belleza de la juventud a la dureza de los rasgos de la ancianidad.

La pintura de Palacios no tiene nada  de comercial, cautiva por su fuerza y su calidad técnica. No deja indiferente a quien la mira.

Este artista sigue un camino completamente independiente y lejos de las temáticas al uso. Su serie “Desiertos” fué otra línea donde investigar esta vez con la técnica de la acuarela y la tématica del paisaje. Completamente original era un viaje a un mundo perdido, sin vida, sobrecogedor…

Tiene una academia de pintura en Madrid  donde nació en 1973. Es Licenciado en Bellas Artes. No de ja de investigar con nuevos materiales y texturas.

El año pasado fuimos a su estudio pues nos quería enseñar algo en lo que estaba trabajando. Fué fantástico. Nos enseñó unos trabajos realizados por capas como lo denomina él. Capas de plástico pintadas en parte y que superpuestas, dan como resultado una imagen en 3 dimensiones. Todo ello colocado en una caja es verdaderamente asombroso. Este año lo presentamos en Art-Madrid y fué la sensación de la Feria. Es algo completamente nuevo pues a diferencia de otros intentos de llevar  la pintura a la tercera dimensión como en el caso de Courbet las obras de Palacios no están realizadas en un plano jugando con las prespectivas sino que ellas mismas configuran la tercera dimensión.

Estamos muy contentos de tener a Juan Miguel Palacios entre nuestros artistas. Su pintura marca diferencia y da  prestigio a la Galería.

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Carlos Brú o el realismo en estado puro

Miércoles, agosto 31st, 2011

Tal como habíamos anunciado empezamos la serie de articulos dedicados a los artistas de nuestra Galería y lo hacemos precisamente con Carlos Brú que abre la temporada artística 2011-2012.

Con Carlos trabajamos desde hace cinco años y lo conocimos a través de su obra. Unas acuarelas de una perfección técnica extraordinaria en un realismo casi fotográfico. Pero lo que más nos llamó la atención fue que las acuarelas estaban hechas sobre madera. Sinceramente era algo que no habíamos visto nunca y además con la particularidad de que eran en blanco y negro con toda la gama de grises, sin color.

Nos pusimos en contacto con él y nos pareció una persona encantadora. Vale decir, que en nuestra Sala de Arte evitamos los artistas conflictivos o complicados por mucha calidad que tengan. La experiencia nos dice que solo es posible trabajar correctamente bajo la base de la mutua confianza.

Enseguida le pedimos obra para mostrar en las siguientes colectivas y ver como respondía el público.

La respuesta fue rápida. Impresionó rapidamente su obra y decidimos hacer la primera exposición en 2008, en Noviembre. Fue un éxito. A parte de unas ventas nada despreciables las acuarelas que presentamos eran excepcionales, bodegones en su mayoría, las transparencias que consigue este pintor son muy poco habituales.

Hemos seguido presentando su obra en las distintas colectivas de Navidad y en esta última edición del Pequeño Formato nos volvió a sorprender cambiando de técnica. Nos  presentó pasteles. Según sus propias palabras “para que la gente no se crea que solo sé hacer acuarelas”. Precisamente la exposición que le dedicamos ahora se basa en esa técnica.

Carlos Brú nos demuestra por tanto que domina todas las técnicas. Nacido en Madrid en 1964 su trabajo habitual es el de cantante. Pertenece a la plantilla del Teatro de la Zarzuela pues según él mismo afirma comer hay que comer todos los días y ese trabajo y el horario del mismo,  le permite hacer lo que siempre hubiera querido, pintar. Su verdadera vocación. Nos sorprende más aún si aclaramos de paso que es licenciado en Ciencias Físicas por la Complutense. Está casado y tiene una hija encantadora. Ahora reside en Ribas Vaciamadrid , muy cerca de la capital y allí mismo tiene su estudio.

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Del nacimiento al esplendor del paisaje romano

Lunes, julio 4th, 2011
 

 

Mañana martes, 5 de julio, abre sus puertas en el Museo del Prado ROMA. Naturaleza e Ideal. Paisajes 1600-1650, una exposición que se presenta en Madrid tras su paso por el Grand Palais de París y que constituye uno de los proyectos más ambiciosos de la pinacoteca madrileña, ya que ha sido necesaria la participación de más de 45 prestadores para completar la selección de paisajes más importante presentada nunca.

Por primera vez en una exposición se aborda el nacimiento del género del paisaje hasta su pleno desarrollo, con todos sus protagonistas y con la ciudad de Roma en la cumbre de su esplendor de fondo, en un conjunto de obras maestras que dan cuenta de todos los temas que trataron figuras de capital importancia. Annibale Carracci –padre del nacimiento del género–; Claudio de Lorena y Poussin –artistas cumbre del paisaje que imprimieron un carácter solemne y filosófico al mismo–; Velázquez –que inaugura una manera distinta de mirar la naturaleza– o los demás pintores encargados de realizar la serie de la Galería de Paisajes del Palacio del Buen Retiro, cuya sección se destaca en la muestra por su trascendencia en el devenir del género.

Paisaje, género autónomo

 

Con una selección de obras muy similar a la presentada en el Grand Palais, y en estrecha colaboración con el Musée du Louvre, es la primera vez que se expone, con la ambición que aquí se trata y un carácter internacional, un conjunto de pinturas de excepcional calidad en el que están recogidos los artistas más sobresalientes y sus obras más significativas para dar cuenta de un tema común a todos ellos, de gran importancia en la historia de la pintura occidental, como es el origen del paisaje cómo género autónomo.

En total, 83 pinturas se podrán contemplar junto a 19 dibujos dispuestos en ámbitos cronológicos, con independencia de la nacionalidad del artista, para poner de manifiesto influencias mutuas y los pasos dados hasta el pleno desarrollo del género a cargo de Claudio de Lorena (Chamagne (Vosgos), h. 1600 – Roma, 1682) y Poussin (Les Andelys, 1594 – Roma, 1665) que protagonizan dos de los apartados más importantes de la muestra, ya que fueron los máximos representantes del género, cuyas obras respectivas permiten el paso definitivo de género menor a una pintura de prestigio reconocido, dotada de características específicas que señalan su singularidad. 

 A diferencia de la sede del Grand Palais, la sección dedicada a la decoración pictórica del Palacio del Buen Retiro tiene un mayor protagonismo en el Prado, y en ella se muestran algunos paisajes de la colección del Museo normalmente no expuestos, además de una obra del napolitano Salvator Rosa, también perteneciente a la pinacoteca, cuya restauración y estudios recientes han llevado a incorporarla a la Galería de Paisajes encargada por Felipe IV para su palacio, hoy desaparecido. 

 Laboratorio de experimentación

Para situar el contexto de la exposición es necesario conocer que a principios del siglo XVII Roma se había convertido en un laboratorio de experimentación e intercambio de ideas entre artistas de diferentes nacionalidades. Italianos, franceses, holandeses, alemanes o españoles trabajaron simultáneamente en el mayor centro cultural de Italia, atraídos no solamente por la impresionante arquitectura de sus monumentos sino por las variaciones estilísticas sobre el tema del paisaje que ofrecía el vibrante entorno.

La muestra comienza con cinco obras de Annibale Carracci (Bolonia, 1560 – Roma, 1609), uno de los padres del nacimiento del género, quien elaboró el prototipo del paisaje armónicamente estructurado que, a finales del siglo XVII, mereció el calificativo de “clásico”. Junto a Carracci se exponen obras de artistas del norte de Europa que llegaron a Roma para contribuir de manera decisiva al enriquecimiento del género, como Adam Elsheimer.

Roma, caja de resonancia

Un segundo apartado se centra en la evolución del paisaje boloñés y cómo el ejemplo de Carracci fue posteriormente desarrollado por sus discípulos boloñeses, Domenichino o Francesco Albani, y otros como Guercino o Viola que desarrollaron paisajes menos estructurados y con una fuerte impronta naturalista.

El paisaje nórdico y su proyección europea es el tema de la siguiente sección, la más grande la exposición, con 29 obras de artistas italianos, del norte de Europa y dos españoles, Martínez del Mazo y Velázquez, que fueron clave en el proceso de modernización y desarrollo del nuevo género. Convirtieron Roma en una caja de resonancia para el resto de Europa ya que muchos de los pintores acabarían regresando a sus lugares de origen volviéndose embajadores dentro de su cultura local. Destaca un pintor exquisito y prácticamente desconocido, el alemán Goffredo Wals, que realiza una aproximación a la pintura de paisaje totalmente nueva, incorporando elementos más accesorios y nada reseñables dándoles una relevancia antes inimaginable.

Retiro, Claudio de Lorena y Poussin

 

La exposición continúa con la Galería de Paisajes del Palacio del Buen Retiro, un apartado que en Madrid cobra una mayor y lógica importancia que en la muestra de París. Se individualiza respecto al resto de los cinco apartados, las paredes de la sala se pintan de otro color y se pone en valor la transcendencia en el desarrollo del género que tuvo el encargo de Felipe IV. La decoración pictórica del madrileño Palacio del Buen Retiro, para la que se encargaron a Roma a partir 1635 un número considerable de paisajes, estuvo condicionada por la alta exigencia de la comisión real. Los artistas estaban obligados a adaptar sus pinturas a unas determinadas medidas dictadas para ajustar las mismas a los huecos presentes entre las ventanas del edificio.

La penúltima sección está dedicada a Claudio de Lorena, uno de los artistas cumbre del paisaje y el más celebrado pintor del paisaje “ideal” con una representación de ocho de sus obras, entre las que figura Vista de la Crescenza del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, cuadro que viaja por primera vez a España.

El recorrido finaliza en Nicolas Poussin, autor que solemniza el paisaje y le confiere un carácter teatral, más filosófico e intelectual. En esta última sección se exponen diez de sus creaciones en las que se percibe un paisaje distinto al de Lorena, no tienen la luz dorada de éste y sus figuras aparecen más grandes. Es el paisaje clasicista por antonomasia en el que trata de evocar el sentido de añoranza de la naturaleza y una visión nostálgica de paraíso perdido como consecuencia del progreso de las civilizaciones. Está reclamando en algunos de sus paisajes una vuelta a la naturaleza y, por tanto, incorpora en su obra mensajes de carácter moral y ético.

Esta muestra ha sido organizada por el Museo Nacional del Prado, la Rmn-Grand Palais (París) y el Musée du Louvre de París.

Conjuntos prácticamente idénticos

Las dos sedes de la exposición (Galeries nationales du Grand Palais y Museo del Prado) presentan conjuntos prácticamente idénticos, a excepción de los dibujos, que por cuestiones de conservación varían sustancialmente de una sede a otra.

La principal diferencia es la inclusión en Madrid de una sección inexistente en París, en la que se describe el encargo realizado por Felipe IV de una numerosa serie de paisajes destinados a la decoración de su nuevo Palacio del Buen Retiro. En ella participaron los más relevantes artistas residentes en Roma entre 1635 y 1640, cuya influencia fue trascendental en el devenir del género.

 

Madrid. ROMA. Naturaleza e Ideal. Paisajes 1600-1650. Museo del Prado. 

Del 5 de julio al 25 de septiembre de 2011.

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El Museo Thyssen-Bornemisza inaugura una muestra retrospectiva de Antonio López

Sábado, junio 25th, 2011

“Aquí está toda mi vida, lo peor y lo mejor”, asegura el pintor

Madrid, (EUROPA PRESS).- Veinte años después de la última retrospectiva de Antonio López en España, el Museo Thyssen-Bornemisza inaugura una muestra del artista, “única” y “excepcional”, que reúne tanto sus obras maestras de estas dos últimas décadas como sus últimos trabajos recién salidos del taller.

“Es una exposición de cuerpo entero, sin trampa ni cartón, aquí está toda mi vida, lo peor y lo mejor“, reconoce Antonio López. Los Reyes y la ministra de Cultura, Ángeles Gónzalez-Sinde, inauguran el lunes esta exposición que permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre.

Se exhiben 130 obras y casi la mitad proceden directamente de su estudio. El público podrá apreciar obras maestras surgidas de encargos institucionales como ‘Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas’ o la impresionante escultura de ‘La mujer de Coslada’ que recibe grandiosa al visitante del museo Thyssen.

“Encantado” y “feliz”, pero también algo “sobrecogido” al ver toda su producción de estos últimos años sobre las paredes del Thyssen, Antonio López ha explicado el porqué de esta retrospectiva, que incluye tanto óleos, dibujos y esculturas y algunos de sus temas habituales, como son los interiores, la figura humana, sus paisajes y sus famosas vistas urbanas de Madrid.

“En esta exposición soy yo desde los 17 años, están mis aciertos, mis momentos de lucidez y mis momentos de fracaso, y mis obras más recientes”, ha reconocido este artista, a quien nunca le ha importado mostrar su obra en proceso.

En este sentido, el director del Museo Thyssen, Guillermo Solana, ha destacado el carácter de “autorretrato” de esta exposición, que ha sido “pilotada” en todo momento por el propio Antonio López, acompañado de su hija María López, quien ha hecho la labor de comisaria de la muestra.

Comparar lo nuevo y lo antiguo

No hay un orden cronológico en esta muestra, pero en las salas convivirán, de manera equilibrada la pintura, el dibujo y la escultura en un intento por comparar la creación de sus últimos años en la pintura, la escultura y el dibujo con sus precedentes, según ha explicado el director del Museo Thyssen.

Destacan sus famosas vistas de la ciudad de Madrid, incluidas las más recientes de la Gran Vía, que están aquí reunidas junto a cuadros de su Tomelloso natal, o con pinturas y dibujos de frutales, sin olvidar sus retratos de parejas.

Respecto a si volvería a realizar alguno de sus cuadros, Antonio López ha señalado que sería imposible volver a pintar la plaza de Atocha con una pareja copulando (‘Atocha, 1964), los amaneceres, porque ya no está dispuesto a madrugar tanto, o el cuadro de la Gran Vía que pintó con una paleta llena de contaminación.

“Ese cuadro incorpora la contaminación a la pintura y eso no quiero repetirlo, quiero vivir otras incomodidades”, ha explicado el artista que piensa seguir trabajando y continuar un proceso de “renovación” dentro de lo que él denomina su propio territorio”.

Y continuará trabajando también en el retrato de la familia real, un “privilegio” al que lleva dedicando años y que le ha abierto las puertas para volver a incluir en su trabajo la representación de una figura humana completa. “Y aquí en este cuadro aparecen cinco personas”, señala el artista y subraya lo mucho que ha “disfrutado” en todo este proceso.

“Cuánto he disfrutado en tener cerca a esas personas (la familia real ) y la cantidad de tiempo y de vida que he entregado en esta relación”, ha reconocido Antonio López, considerado como el gran representante del realismo y la figuración española contemporánea.

Así este artista busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos susceptibles de ser retratados en su obra, y lo hace con una elaboración lenta y meditada, buscando captar la esencia del objeto o paisaje representado.

Veinte años de obras maestras

El recorrido de la muestra comenzará la planta baja del Museo, con un espacio que quiere sintetizar su obra y mostrar la visión que Antonio López tiene de sí mismo como artista y, más concretamente, como heredero de la tradición.

La última parte de la muestra aporta una “ojeada íntima” al taller y al estudio del artista e incluso reúne piezas que “andaban” por el estudio como las cabezas de sus nietos o la serie de las flores, según ha explicado Guillermo Solana.

Muchas de las obras que se reúnen en esta exposición proceden de colecciones particulares, en su mayor parte españolas y, entre ellas, la del propio artista con un buen número de obras inéditas, pero también hay préstamos destacados de museos como el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Bellas Artes de Bilbao, el Centre Georges Pompidou de París, el Hamburger Kunsthalle de Hamburgo o el Museum of Fine Arts de Boston.

La muestra se completará con la proyección en una de las salas de dos documentales elaborados específicamente para la ocasión con imágenes del trabajo de Antonio López en este último año, tanto en su estudio como en exteriores, así como diversas entrevistas a personas próximas a él.

Además, todos los sábados del mes de julio podrá verse en el salón de actos del Museo la película ‘El sol del Membrillo’ (1990-1992) en la que, a través de la contemplación de Antonio López pintando un membrillo en el patio de su casa, el cineasta Víctor Erice explora el proceso de creación de una obra de arte, planteado no como un documental, sino más bien como un diario que pone en relación cine y pintura como instrumentos para capturar la realidad

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Antonio López se reencuentra con Madrid

Sábado, junio 25th, 2011

El Museo Thyssen acoge la gran retrospectiva del pintor de Tomelloso, en la que se resume su vida y su personal manera de entender el arte

 

Especial de EL PAÍS sobre la exposición de Antonio López

Antonio López llegó a Madrid con apenas 14 años. Desde su Tomelloso natal, traía en su maleta los consejos de su tío Antonio López Torres y una decisión irrevocable de dedicarse a pintar. Instalado en una pensión de la vieja ciudad de los Austrias, en la Academia de Bellas Artes de San Fernando aprendió los rudimentos para dominar como pocos el dibujo y se adentró con veneración en el mundo del arte clásico. Madrid, el arte griego y los amigos de entonces (Enrique Gran, Amalia Avia, Lucio Muñoz…) pasaron a formar parte desde entonces del mundo artístico y personal de Antonio López. Ahí están la mayor parte de sus amores y su sustento. Ese mundo forma el núcleo esencial de la retrospectiva que el lunes 27 de junio inauguran los Reyes en el Museo Thyssen de Madrid y que va a ser sin duda la exposición del verano. Son 130 obras que resumen una manera muy personal de entender el arte, la misma que le ha convertido en el artista más popular y querido de las últimas décadas. La exposición Antonio López permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre.

 

 

 

Contemplación de la obra. El Museo Thyssen de Madrid muestra del 28 de junio al 25 de septiembre una gran retrospectiva de la obra de Antonio López. El conservador jefe del museo, Guillermo Solana, la califica de la “biografía autorizada” del artista. 130 obras 

La exposición, comisariada por su hija María López y el conservador jefe del museo, Guillermo Solana, es un resumen de los temas esenciales del maestro hiperrealista con sus obras más recientes.

La mirada retrospectiva se extiende por las salas de la segunda parte de la exposición

Su última exposición antológica en España fue en 1993, en el Museo Reina Sofía. Después, en 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le dedicó una retrospectiva que fue todo un acontecimiento social y artístico (Ted Kennedy, por ejemplo, estuvo entre los asistentes) y en ella se pudo ver parte de su obra más reciente. Porque si es cierto que la legendaria lentitud de Antonio López hace que sus obras escaseen en el mercado, también es verdad que el artista no para de entusiasmarse con nuevos proyectos. Esta exposición, comisariada por su hija María López y el conservador jefe del museo, Guillermo Solana, es un resumen de los temas esenciales del maestro hiperrealista con sus obras más recientes.

La escultura de La mujer de Coslada une los dos espacios en los que se ha dividido la exposición y que están dedicados a su pintura, dibujos y escultura. En esta primera parte los temas son la ciudad (Madrid y Tomelloso), los árboles (con predominio de frutales, ahí está su célebre Membrillero) y la figura humana. Es esta particular selección autobiográfica hay cuatro cabezas griegas, Carmencita jugando y La terraza de Lucio (una vista de Madrid desde la calle de Hilarión Eslava). En el centro están los bustos de él y de su mujer, la pintora María Moreno, y retratos de los muebles que forman parte de la vida diaria: la nevera, las ventanas, el aparador…

La Gran Vía

Madrid y la Gran Vía que todos conocemos pintada en la década de los setenta se expone con otras vistas de la ciudad como Madrid desde Torres Blancas o una de las últimas que creó de la capital: Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas (1990-2006), una visión de la ciudad en la que la inhumanidad más inquietante aparece retratada como pocas veces se ha hecho. La nueva serie de vistas de la Gran Vía, siete miradas capturadas al vuelo, también forman parte de la exposición. Es una oportunidad única de poder contemplar en directo cómo se desarrolla el trabajo del artista.

La mirada retrospectiva se extiende por las salas de la segunda parte de la exposición. Cuadros de pequeño y gran formato muestran los rostros de sus abuelos, de sus padres, de sus hijas y de sus amigos y conocidos, con especial atención a su mujer, María Moreno. Y junto a los orígenes están también obras directamente llegadas de su taller, una selección de los múltiples proyectos que siguen formando parte de la vida diaria de Antonio López

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Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935

Viernes, junio 10th, 2011
La exposición “Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935”, que se ha inaugurado en CaixaForum Madrid, analiza una época determinante para entender la cultura actual, y lo hace con la revisión más completa que se ha realizado jamás sobre el arte y la arquitectura de la vanguardia rusa. La muestra descubre uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura y de las artes visuales, en el que participaron artistas del movimiento constructivista, como Liubov Popova, Alexandr Ródchenko, y arquitectos rusos, como Konstantín Mélnikov, Moisei Guínzburg, Alexandr Vesnín, y otros europeos, como Le Corbusier y Mendelsohn.
La exposición pone un acento especial en la manera en que los artistas plásticos y los arquitectos se unieron bajo la causa bolchevique en un periodo marcado por la radicalidad de sus propuestas. Con la institucionalización del denominado realismo socialista como tendencia oficial del nuevo régimen estalinista, estos artistas fueron considerados «indeseables» y sus obras se enviaron a provincias. Por este motivo, la muestra también reflexiona sobre qué ha quedado de todo aquello casi un siglo después.

La exposición consta de unas 230 obras, entre maquetas, obras plásticas (pinturas y dibujos) y fotografías (de archivo, de los años veinte y treinta, y contemporáneas, a cargo del fotógrafo británico Richard Pare).

El Estado soviético surgido de la Revolución Rusa de 1917 promovió un nuevo lenguaje visual para construir una nueva sociedad basada en el ideal socialista. La década y media que siguió a la Revolución fue un periodo de intensa actividad e innovación en el campo de las artes -y sobre todo entre los arquitectos-, marcado por las formas geométricas puras. El nuevo Estado requería nuevos tipos de edificios, desde casascomuna, clubes y equipamientos deportivos para el proletariado victorioso, hasta fábricas y centrales eléctricas para hacer frente a los ambiciosos planes de industrialización, o centros de operaciones para la promulgación de políticas de Estado y la difusión de propaganda, entre los que cabe destacar el Mausoleo de Lenin.

La exposición “Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935” se podrá ver en CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36) del 25 de mayo al 18 de septiembre de 2011. Posteriormente viajará a la Royal Academy of Arts de Londres, donde se exhibirá entre octubre y enero de 2012.

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