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Archivo para junio, 2011

Primera exposición en España de Luc Tuymans

Martes, junio 28th, 2011


 

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga abre hoy al público Retratos y vegetación, la primera exposición en España de Luc Tuymans, el artista contemporáneo belga más importante y uno de los pintores europeos más influyentes. Tras la aparente simplicidad de la narrativa de su obra, el halo sombrío, la pincelada acuosa y el silencio engañoso que la caracterizan no son más que una apariencia ilusoria para producir en el espectador tensión y un cierto desgarro ante el que no puede permanecer impasible.

 

Retratos y vegetación es un buen ejemplo de ello y a través de las 16 pinturas que la componen se evidencia la contundencia y la rotundidad de su trabajo, así como la ausencia de afectaciones y extravagancias. Falsa serenidad para llamar la atención sobre el anhelo de nuestra sociedad por olvidar ciertos acontecimientos que han marcado la memoria colectiva, como el Holocausto, los dramáticos sucesos del 11 de septiembre o la política colonial en el ex Congo Belga.  

Arte y realidad

“El arte no proviene del arte. El arte proviene de la realidad”. Esta afirmación realizada por el propio Luc Tuymans es toda una declaración de intenciones, una confesión sobre la naturaleza de su trabajo, evocador e insinuante, pero que deja en manos del espectador la responsabilidad de llenar los espacios, deliberadamente dejados en suspenso, y de construir su propia narrativa. Su obra es comprometida, no permanece ajena a hechos que han marcado la sociedad de nuestros días, a pesar de que exista un deseo colectivo de amnesia voluntaria por olvidarlos o distorsionarlos, una sociedad que parece estar más cercana al mundo ilusorio narrado por Aldous Huxley en su novela Un mundo feliz.

Desde mediados de los 80, el trabajo de Tuymans está centrado en la pintura. Sin embargo, durante un tiempo abandonó esta disciplina para dedicarse de lleno a la creación cinematográfica. Esta etapa transitoria dejó su impronta en sus trabajos posteriores, los cuales desarrolla con meticulosidad a través de dibujos preparatorios, fotografías, diapositivas, fotogramas de películas y una amplia variedad de técnicas que no hacen sino aumentar la riqueza artística de sus composiciones.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “son muchos los que han calificado la pintura de Luc Tuymans como pesimista, quizás impulsados por la carga violenta y cruda que la caracteriza, y que no deja de ser un vehículo para diseccionar la realidad, lejos de cualquier interés moralista o grandilocuencia. Lo que es innegable es que estamos ante uno de los autores más admirados tanto por artistas consagrados, como Alex Katz, como por emergentes, para quien Tuymans, uno de los mitos de la pintura contemporánea mundial, es ya una leyenda”. 

Alusiones y referencias

En las pinturas de Luc Tuymans las ideas no se muestran de manera explícita, sino a través de escondidas alusiones y referencias indirectas. Las imágenes aparentemente inocuas pero cargadas de intensidad, generan desasosiego y perturban al espectador. Así, tras la imperturbable mirada de la figura de Secrets (1990) se esconde Albert Speer, arquitecto del III Reich que llegó a ser ministro de Armamento del régimen de Hitler. El aspecto sombrío con el que le ha retratado Tuymans y que lo haya hecho con los ojos cerrados, nos invita a intentar averiguar esos secretos a los que se alude en el título.

Por su parte, Evidence (2005) muestra a una víctima de un asesino en serie ruso a quien nunca se pudo identificar. La pintura difuminada y el rostro casi irreconocible revelan la intención del artista por insinuar y no mostrar y por sus alusiones a la memoria. Portrait (2000) es una referencia a las fotografías de los fallecidos que en Bélgica se utilizan para anunciar los funerales.

Luc Tuymans (Mortsel, Bélgica, 1958) es heredero de la extensa tradición pictórica del Norte de Europa, de ahí que el pintor flamenco Jan Van Eyck sea uno de sus artistas más admirados. También lo son españoles como Velázquez, El Greco o Zurbarán, cuyas influencias se aprecian en muchas de sus obras. Los trabajos de Tuymans están presentes en los museos y centros de arte más representativos, como el MoMA (Nueva York), la Tate londinense, el George Pompidou de París o el Museo de Arte Moderno de San Francisco, entre otros muchos.   

Málaga. Luc Tuymans. Retratos y vegetación. Centro de Arte Contemporáneo CAC.

Del 24 de junio al 4 de septiembre de 2011.

 

 

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Un poco de Antonio López

Sábado, junio 25th, 2011

Nevera nueva. Óleo sobre lienzo. 240 x 190 cm.

La cena. Óleo sobre tabla. 89 x 101 cm.
Madrid desde Torres Blancas. Óleo sobre tabla. 157 x 245 cm.

 

Madrid desde Vallecas. Óleo sobre lienzo. 250 x 406 cm.

Antonio y Mary (Cuadro roto). Óleo sobre tabla. 46 x 65 cm.

Calle de Santa Rita. Óleo sobre tabla. 62 x 89 cm.

Madrid desde Capitán Haya. Óleom sobre lienzo adherido a tabla. 184 x 245 cm.

El campo del moro. 190 x 245 cm. Óleo sobre tabla.

Membrillero. Óleo sobre lienzo. 105 x 120 cm.

Casa de Antonio López Torres. Lápiz sobre papel. 82 x 68 cm.

Madrid desde el Hotel Capitol. Óleo sobre lienzo. 130 x 130 cm.

Gran Vía. Óleo sobre tabla. 91 x 94 cm.

Ventana por la tarde. Óleo sobre tabla. 141 x 124 cm.

 

Taza de water y ventana. Óleo sobre papel adherido a tabla. 244 x 122 cm.

Francisco Carretero y Antonio López Torres conversando. Óleo sobre tabla. 70 x 96 cm.

Gran Vïa 1º. Óleo sobre lienzo. 130 x 130 cm.

Calabazas. Lápiz sobre papel. 78 x 91 cm.

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El Museo Thyssen-Bornemisza inaugura una muestra retrospectiva de Antonio López

Sábado, junio 25th, 2011

“Aquí está toda mi vida, lo peor y lo mejor”, asegura el pintor

Madrid, (EUROPA PRESS).- Veinte años después de la última retrospectiva de Antonio López en España, el Museo Thyssen-Bornemisza inaugura una muestra del artista, “única” y “excepcional”, que reúne tanto sus obras maestras de estas dos últimas décadas como sus últimos trabajos recién salidos del taller.

“Es una exposición de cuerpo entero, sin trampa ni cartón, aquí está toda mi vida, lo peor y lo mejor“, reconoce Antonio López. Los Reyes y la ministra de Cultura, Ángeles Gónzalez-Sinde, inauguran el lunes esta exposición que permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre.

Se exhiben 130 obras y casi la mitad proceden directamente de su estudio. El público podrá apreciar obras maestras surgidas de encargos institucionales como ‘Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas’ o la impresionante escultura de ‘La mujer de Coslada’ que recibe grandiosa al visitante del museo Thyssen.

“Encantado” y “feliz”, pero también algo “sobrecogido” al ver toda su producción de estos últimos años sobre las paredes del Thyssen, Antonio López ha explicado el porqué de esta retrospectiva, que incluye tanto óleos, dibujos y esculturas y algunos de sus temas habituales, como son los interiores, la figura humana, sus paisajes y sus famosas vistas urbanas de Madrid.

“En esta exposición soy yo desde los 17 años, están mis aciertos, mis momentos de lucidez y mis momentos de fracaso, y mis obras más recientes”, ha reconocido este artista, a quien nunca le ha importado mostrar su obra en proceso.

En este sentido, el director del Museo Thyssen, Guillermo Solana, ha destacado el carácter de “autorretrato” de esta exposición, que ha sido “pilotada” en todo momento por el propio Antonio López, acompañado de su hija María López, quien ha hecho la labor de comisaria de la muestra.

Comparar lo nuevo y lo antiguo

No hay un orden cronológico en esta muestra, pero en las salas convivirán, de manera equilibrada la pintura, el dibujo y la escultura en un intento por comparar la creación de sus últimos años en la pintura, la escultura y el dibujo con sus precedentes, según ha explicado el director del Museo Thyssen.

Destacan sus famosas vistas de la ciudad de Madrid, incluidas las más recientes de la Gran Vía, que están aquí reunidas junto a cuadros de su Tomelloso natal, o con pinturas y dibujos de frutales, sin olvidar sus retratos de parejas.

Respecto a si volvería a realizar alguno de sus cuadros, Antonio López ha señalado que sería imposible volver a pintar la plaza de Atocha con una pareja copulando (‘Atocha, 1964), los amaneceres, porque ya no está dispuesto a madrugar tanto, o el cuadro de la Gran Vía que pintó con una paleta llena de contaminación.

“Ese cuadro incorpora la contaminación a la pintura y eso no quiero repetirlo, quiero vivir otras incomodidades”, ha explicado el artista que piensa seguir trabajando y continuar un proceso de “renovación” dentro de lo que él denomina su propio territorio”.

Y continuará trabajando también en el retrato de la familia real, un “privilegio” al que lleva dedicando años y que le ha abierto las puertas para volver a incluir en su trabajo la representación de una figura humana completa. “Y aquí en este cuadro aparecen cinco personas”, señala el artista y subraya lo mucho que ha “disfrutado” en todo este proceso.

“Cuánto he disfrutado en tener cerca a esas personas (la familia real ) y la cantidad de tiempo y de vida que he entregado en esta relación”, ha reconocido Antonio López, considerado como el gran representante del realismo y la figuración española contemporánea.

Así este artista busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos susceptibles de ser retratados en su obra, y lo hace con una elaboración lenta y meditada, buscando captar la esencia del objeto o paisaje representado.

Veinte años de obras maestras

El recorrido de la muestra comenzará la planta baja del Museo, con un espacio que quiere sintetizar su obra y mostrar la visión que Antonio López tiene de sí mismo como artista y, más concretamente, como heredero de la tradición.

La última parte de la muestra aporta una “ojeada íntima” al taller y al estudio del artista e incluso reúne piezas que “andaban” por el estudio como las cabezas de sus nietos o la serie de las flores, según ha explicado Guillermo Solana.

Muchas de las obras que se reúnen en esta exposición proceden de colecciones particulares, en su mayor parte españolas y, entre ellas, la del propio artista con un buen número de obras inéditas, pero también hay préstamos destacados de museos como el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Bellas Artes de Bilbao, el Centre Georges Pompidou de París, el Hamburger Kunsthalle de Hamburgo o el Museum of Fine Arts de Boston.

La muestra se completará con la proyección en una de las salas de dos documentales elaborados específicamente para la ocasión con imágenes del trabajo de Antonio López en este último año, tanto en su estudio como en exteriores, así como diversas entrevistas a personas próximas a él.

Además, todos los sábados del mes de julio podrá verse en el salón de actos del Museo la película ‘El sol del Membrillo’ (1990-1992) en la que, a través de la contemplación de Antonio López pintando un membrillo en el patio de su casa, el cineasta Víctor Erice explora el proceso de creación de una obra de arte, planteado no como un documental, sino más bien como un diario que pone en relación cine y pintura como instrumentos para capturar la realidad

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Antonio López se reencuentra con Madrid

Sábado, junio 25th, 2011

El Museo Thyssen acoge la gran retrospectiva del pintor de Tomelloso, en la que se resume su vida y su personal manera de entender el arte

 

Especial de EL PAÍS sobre la exposición de Antonio López

Antonio López llegó a Madrid con apenas 14 años. Desde su Tomelloso natal, traía en su maleta los consejos de su tío Antonio López Torres y una decisión irrevocable de dedicarse a pintar. Instalado en una pensión de la vieja ciudad de los Austrias, en la Academia de Bellas Artes de San Fernando aprendió los rudimentos para dominar como pocos el dibujo y se adentró con veneración en el mundo del arte clásico. Madrid, el arte griego y los amigos de entonces (Enrique Gran, Amalia Avia, Lucio Muñoz…) pasaron a formar parte desde entonces del mundo artístico y personal de Antonio López. Ahí están la mayor parte de sus amores y su sustento. Ese mundo forma el núcleo esencial de la retrospectiva que el lunes 27 de junio inauguran los Reyes en el Museo Thyssen de Madrid y que va a ser sin duda la exposición del verano. Son 130 obras que resumen una manera muy personal de entender el arte, la misma que le ha convertido en el artista más popular y querido de las últimas décadas. La exposición Antonio López permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre.

 

 

 

Contemplación de la obra. El Museo Thyssen de Madrid muestra del 28 de junio al 25 de septiembre una gran retrospectiva de la obra de Antonio López. El conservador jefe del museo, Guillermo Solana, la califica de la “biografía autorizada” del artista. 130 obras 

La exposición, comisariada por su hija María López y el conservador jefe del museo, Guillermo Solana, es un resumen de los temas esenciales del maestro hiperrealista con sus obras más recientes.

La mirada retrospectiva se extiende por las salas de la segunda parte de la exposición

Su última exposición antológica en España fue en 1993, en el Museo Reina Sofía. Después, en 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le dedicó una retrospectiva que fue todo un acontecimiento social y artístico (Ted Kennedy, por ejemplo, estuvo entre los asistentes) y en ella se pudo ver parte de su obra más reciente. Porque si es cierto que la legendaria lentitud de Antonio López hace que sus obras escaseen en el mercado, también es verdad que el artista no para de entusiasmarse con nuevos proyectos. Esta exposición, comisariada por su hija María López y el conservador jefe del museo, Guillermo Solana, es un resumen de los temas esenciales del maestro hiperrealista con sus obras más recientes.

La escultura de La mujer de Coslada une los dos espacios en los que se ha dividido la exposición y que están dedicados a su pintura, dibujos y escultura. En esta primera parte los temas son la ciudad (Madrid y Tomelloso), los árboles (con predominio de frutales, ahí está su célebre Membrillero) y la figura humana. Es esta particular selección autobiográfica hay cuatro cabezas griegas, Carmencita jugando y La terraza de Lucio (una vista de Madrid desde la calle de Hilarión Eslava). En el centro están los bustos de él y de su mujer, la pintora María Moreno, y retratos de los muebles que forman parte de la vida diaria: la nevera, las ventanas, el aparador…

La Gran Vía

Madrid y la Gran Vía que todos conocemos pintada en la década de los setenta se expone con otras vistas de la ciudad como Madrid desde Torres Blancas o una de las últimas que creó de la capital: Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas (1990-2006), una visión de la ciudad en la que la inhumanidad más inquietante aparece retratada como pocas veces se ha hecho. La nueva serie de vistas de la Gran Vía, siete miradas capturadas al vuelo, también forman parte de la exposición. Es una oportunidad única de poder contemplar en directo cómo se desarrolla el trabajo del artista.

La mirada retrospectiva se extiende por las salas de la segunda parte de la exposición. Cuadros de pequeño y gran formato muestran los rostros de sus abuelos, de sus padres, de sus hijas y de sus amigos y conocidos, con especial atención a su mujer, María Moreno. Y junto a los orígenes están también obras directamente llegadas de su taller, una selección de los múltiples proyectos que siguen formando parte de la vida diaria de Antonio López

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El siglo dorado de la pintura portuguesa

Lunes, junio 20th, 2011

Después de su éxito en el Museo Nacional de Arte Antiguo de Lisboa (MNAA), mañana martes se presenta en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio
 de Valladolid Primitivos. El siglo dorado de la pintura portuguesa. 1450-1550, una gran exposición que dará a conocer en nuestro país la magnífica pintura portuguesa sobre tabla de los siglos XV y XVI.

La muestra reunirá una selección de 48 tablas al óleo procedentes de diversas colecciones del país vecino, entre las que se encuentran algunos de los retablos más bellos de la época, junto con obras mucho menos conocidas que se han restaurado y dado a conocer gracias a este proyecto.

Magníficas colecciones

A través de un discurso expositivo basado en un criterio cronológico, Primitivos combinará esa secuencia con la agrupación de las obras en función de sus similitudes y diferencias estilísticas e iconográficas con el fin de documentar y cuestionar los conceptos de originalidad e identidad nacional que tradicionalmente se han asociado a este brillante ciclo creativo portugués, iniciado por Nuno Gonçalves y continuado por los pintores de la primera mitad del siglo XVI, como Francisco Henriques, Jorge Afonso, Gregório Lopes o Cristovão de Figueiredo, entre otros.

La muestra de Valladolid permitirá mostrar, por primera vez en España,  las obras más sobresalientes de esta “edad dorada”. El aliciente es aún mayor teniendo en cuenta que son tablas que apenas abandonan sus sedes por razones de conservación. Estamos, casi con toda seguridad, ante una de las exposiciones portuguesas más importantes de los últimos 20 años.

Ocasión única

Comisariada por los especialistas José Alberto Seabra y Joaquim Caetano, conservadores del MNAA, acompañados por María Bolaños en su edición en Valladolid, la exposición es una ocasión única para revisar y actualizar los estudios sobre los denominados “Primitivos Portugueses”, pero sobre todo, para los españoles, es una oportunidad irrepetible para conocer de primera mano estas magníficas colecciones.

Esta muestra forma parte de un proyecto de colaboración, en el marco de las relaciones bilaterales de los museos hispano-portugueses, que tendrá su continuación en una exposición de la colección del Museo Nacional Colegio de San Gregorio que se celebrará en el MNAA en 2012.

Encarnación de la identidad nacional

Primitivos. El siglo de oro de la pintura portuguesa es una exposición organizada por el Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa en el marco de las Conmemoraciones del Centenario de la República Portuguesa (1911). Tiene una marcada intención simbólica pues conmemora, asimismo, el “descubrimiento” en el alba del siglo XX de la pintura renacentista portuguesa, encumbrada como encarnación de la identidad nacional.

La muestra está concebida como una revisión del mito, y tras un proceso de investigación conceptual y técnico, propone un diálogo con la identidad portuguesa, una relectura actualizada de un ejemplo estelar de la primera modernidad artística europea, convertida en un inmenso campo de investigación.

El conjunto de obras de arte expuesto es de la máxima calidad, realizadas en un momento en el que el Portugal de los Descubrimientos se encontraba en plena experimentación científica y cultural y alcanzaba también su máxima irradiación cosmopolita. También en el arte, entre 1450 y 1550, el país vive una hora de esplendor. Es su Siglo de Oro.

Como explica María Bolaños, “la exposición muestra ese momento de audacia en el arte, una especie de Año Cero en la historia de la pintura, en el que los pintores inventan un mundo nuevo, cuyos escenarios, aunque describan el paraíso o el infierno, se localizan en entornos terrenales y visibles habitados por una humanidad de carne y hueso. Una pintura compleja, cuya riqueza viene dada por la fantasía narrativa, la elegancia de sus líneas, la brillantez cromática, el soberbio realismo de sus rostros, el ambiente heroico, los fabulosos fondos de paisaje, la abundancia de símbolos y el gusto por las anécdotas, las menudencias, los gestos, los objetos, los adornos, etc.”.

 

Valladolid. Primitivos. El siglo dorado de la pintura portuguesa. 1450-1550. Museo Nacional Colegio de San Gregorio .

Del 21 de junio al 2 de octubre de 2011.

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Abstracción pictórica en el Guggenheim Bilbao

Miércoles, junio 15th, 2011

El Museo Guggenheim Bilbao acoge desde hoy martes al próximo 8 de enero, Abstracción pictórica, 1949-1969: Selecciones de las Colecciones Guggenheim, una exposición que analiza las tendencias artísticas fundamentales del arte norteamericano y europeo, en un recorrido único por dos décadas de arte que evidencia las sorprendentes afinidades entre creadores que trabajaron en continentes distintos en un período de grandes avances creativos.

Por medio de cerca de ochenta obras de más de sesenta artistas –entre los que se encuentran Karel Appel, Alberto Burri, Willem de Kooning, Ellsworth Kelly, Piero Manzoni, Jackson Pollock, Antoni Tàpies y Victor Vasarely– procedentes de las colecciones del Solomon R. Guggenheim Museum, la Peggy Guggenheim Collection y el Museo Guggenheim Bilbao, la muestra explora las similitudes entre distintas manifestaciones artísticas surgidas a ambos lados del Atlántico.

Símbolo de liberación

Tras el caos provocado por la Segunda Guerra Mundial y al amparo de la filosofía existencialista, los artistas europeos recurrieron a la hibridación y a la síntesis, en contra de los valores utópicos y experimentales que habían caracterizado a los artistas de generaciones anteriores. Para los artistas de la España de Franco y del Este de Europa, aún oprimidos por la tiranía política y estética, esas obras de arte fueron un símbolo de liberación política. El Arte Informal, o arte sin forma, abarca una gran variedad de prácticas abstractas y métodos pictóricos que emergieron en esa posguerra.

Rechazando los últimos baluartes del humanismo clásico y sus principios artísticos más significativos, como la armonía tonal, el equilibrio y la composición integral, la pintura informal abogó por la libertad en la expresión artística. Este movimiento es conocido, en sus diversas manifestaciones, como Pintura Gestual, Abstracción Lírica, Arte Matérico y Tachismo (del francés tache, “mancha”). Artistas como Alberto Burri en Italia, Jean Dubuffet en Francia y Antoni Tàpies en España, utilizaron materiales distintos al óleo en sus lienzos, mientras que otros exploraron estrategias que consideraban más científicas, objetivas e interactivas por naturaleza, en particular las pinturas monocromas y el Arte Cinético, como demuestran las obras de Yves Klein, Piero Manzoni y Jean Tinguely.

Un estilo muy expresivo

Mientras tanto, la pintura en EE.UU. evolucionaba hacia un estilo muy expresivo basado en el gesto. Como los informalistas, los expresionistas abstractos no compartían un estilo único o una temática universal. Sin embargo, el interés en el proceso y en los fundamentos de la creación artística, así como una tendencia inexorable hacia la abstracción influida por el subconsciente y las emociones de los artistas, se convirtieron en el motor del movimiento. La Pintura de Acción buscaba aunar forma y emoción a través de métodos innovadores en la aplicación de la pintura –verter y salpicar, además de utilizar el pincel– en un intento de enfatizar el acto de pintar y la superficie pictórica, algo apreciable en las obras de Willem de Kooning y Jackson Pollock. Otros, como Robert Motherwell y Mark Rothko, emplearon grandes campos de color para evocar estados espirituales.

Muchas de las obras expuestas fueron adquiridas por el Solomon R. Guggenheim Museum entre 1952 y 1960, bajo la administración de su segundo director, James Johnson Sweeney. Desde que se inauguró en 1997, el Museo Guggenheim Bilbao ha contado con el arte de este período como punto de partida para la formación de su propia colección.

Bilbao. Abstracción pictórica, 1949-1969: Selecciones de las Colecciones Guggenheim. Museo Guggenheim.

Del 14 de junio de 2011 al 8 de enero de 2012.

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La Colección Santander recuerda a Gutiérrez Solana en el 125 aniversario de su nacimiento

Martes, junio 14th, 2011
Hace 125 años, en un Madrid finisecular impregnado de nostalgias, nació José Gutiérrez Solana, pintor y escritor que, a lo largo de su vida, trazó la imagen de una sociedad dolorida, incluso en el calor de las tertulias y en unos festejos donde don Carnaval y doña Cuaresma aparecen de alguna manera en ese capítulo pintado, descarnado y turbio que Solana ha legado a la posteridad. Y muestra de ello es la exposición conmemorativa organizada, con obras propias, por la Colección Santander en su Sala de Arte de la Ciudad Financiera de Boadilla.

Son doce obras maestras, algunas poco conocidas, que enseñan de muchas maneras las claves del discurso, en cierta medida tremendista, de José Gutiérrez Solana (1886-1945), un artista formado en la Escuela de Bellas Artes de la Academia de San Fernando donde aprendió anatomía en las clases de Parada y Santín, labor pictórica que fue dando a conocer en Nacionales de Bellas Artes. Y tras residir entre 1909 y 1918 en Santander, ciudad de donde era originaria su familia, y publicar su primer libro -“Madrid, escenas y costumbres”, 1913-, regresa a Madrid y entra de lleno en el mundo de las tertulias del Café Pombo donde Ramón Gómez de la Serna ejercía de gran ‘pope’, tertulia que recogió en uno de sus cuadros más celebrados.

Era un pintor que respiraba en un clima decimonónico que llega de Goya, se anima con la brisa romántica y el costumbrismo, el quehacer de Eugenio Lucas y las constantes que toman formas en las aportaciones de Regoyos e Ignacio Zuloaga, acentuando el drama humano, con el declive del 98 el horizonte nacional. Mientras, en Europa las vanguardias van trazando nuevos caminos; y en Madrid, Solana participa  en la Exposición de Artistas Ibéricos, año 1925, incidiendo en esa crónica sajante que disecciona cuerpos para llegar al fondo de cada situación: miseria y decrepitud; la mueca y el descaro; el equívoco y el engaño o desengaño en una obra que forma parte de la historia del arte de la primera mitad del siglo XX, presente en museos y colecciones, entre ellas la del Santander, que presenta este conjunto de 12 obras para conmemorar el 125 aniversario del nacimiento de Solana, exposición que permanecerá en la Ciudad Financiera del Banco Santander, en Boadilla, Madrid, hasta el 15 de julio de 2011.

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El Palau Güell reabre sus puertas siete años después

Sábado, junio 11th, 2011
El Palau Güell de Barcelona (C/ Nou de la Rambla, 3-5), una de las primeras obras de Antoni Gaudí, volvió a abrir sus puertas el 26 de mayo después de siete años cerrado y de una exhaustiva restauración que ha devuelto al edificio su esplendor original.

En el año 1885, Eusebi Güell encargó el edificio a Antoni Gaudí y, desde entonces, ha tenido diversos usos. A lo largo de 20 años fue la vivienda familiar de los Güell, pero durante la Guerra Civil llegó a ser utilizado como comisaría. Años más tarde, ya en manos de la Diputación de Barcelona, alojó la sede del Instituto del Teatro.

Ruptura con al arquitectura romántica

El arquitecto Antoni González, que ha dirigido la restauración, destaca que el Palau “rompió todos los postulados de la arquitectura romántica del siglo XIX, cosa que se percibe en sus famosos arcos paraboidales o en la triple fachada interior, algunos de los centenares de detalles que los visitantes podrán volver a admirar ahora de cerca”.

Durante la visita, se puede descubrir la renovadora concepción del espacio y del tratamiento de la luz, y la originalidad y riqueza de las soluciones constructivas y ornamentales fruto del genio creativo de Gaudí. Una de las estrellas de la visita es el salón principal, donde la familia Güell realizaba conciertos privados. La acústica del piso superior, donde todavía se conserva un órgano, es espectacular gracias a la cúpula y a su decoración, con pinturas de Aleix Clapés y luces del propio Gaudí.

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Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935

Viernes, junio 10th, 2011
La exposición “Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935”, que se ha inaugurado en CaixaForum Madrid, analiza una época determinante para entender la cultura actual, y lo hace con la revisión más completa que se ha realizado jamás sobre el arte y la arquitectura de la vanguardia rusa. La muestra descubre uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura y de las artes visuales, en el que participaron artistas del movimiento constructivista, como Liubov Popova, Alexandr Ródchenko, y arquitectos rusos, como Konstantín Mélnikov, Moisei Guínzburg, Alexandr Vesnín, y otros europeos, como Le Corbusier y Mendelsohn.
La exposición pone un acento especial en la manera en que los artistas plásticos y los arquitectos se unieron bajo la causa bolchevique en un periodo marcado por la radicalidad de sus propuestas. Con la institucionalización del denominado realismo socialista como tendencia oficial del nuevo régimen estalinista, estos artistas fueron considerados «indeseables» y sus obras se enviaron a provincias. Por este motivo, la muestra también reflexiona sobre qué ha quedado de todo aquello casi un siglo después.

La exposición consta de unas 230 obras, entre maquetas, obras plásticas (pinturas y dibujos) y fotografías (de archivo, de los años veinte y treinta, y contemporáneas, a cargo del fotógrafo británico Richard Pare).

El Estado soviético surgido de la Revolución Rusa de 1917 promovió un nuevo lenguaje visual para construir una nueva sociedad basada en el ideal socialista. La década y media que siguió a la Revolución fue un periodo de intensa actividad e innovación en el campo de las artes -y sobre todo entre los arquitectos-, marcado por las formas geométricas puras. El nuevo Estado requería nuevos tipos de edificios, desde casascomuna, clubes y equipamientos deportivos para el proletariado victorioso, hasta fábricas y centrales eléctricas para hacer frente a los ambiciosos planes de industrialización, o centros de operaciones para la promulgación de políticas de Estado y la difusión de propaganda, entre los que cabe destacar el Mausoleo de Lenin.

La exposición “Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935” se podrá ver en CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36) del 25 de mayo al 18 de septiembre de 2011. Posteriormente viajará a la Royal Academy of Arts de Londres, donde se exhibirá entre octubre y enero de 2012.

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Arts Santa Mónica presenta “El archivo fotográfico del modelo”, de Josep Mª Sert

Miércoles, junio 8th, 2011
En 1899, cuando tenía 25 años, marcha a París donde instala un taller de diseño propio para trabajar como decorador mural en lienzo: Y desde el primer momento su éxito trasciende a distintos puntos de Europa y Estados Unidos. Había realizado en  1900 lienzos para el pabellón “Art Nouveau” de Paris, y seguidamente se interesaba por el decorado, y en el vestuario, de los ballets rusos de Diaghilev. Actividad de Josep Mª Sert (Barcelona, 1874-1945) que se multiplica como se pone de manifiesto en la exposición “El archivo fotográfico del modelo” abierta en los espacios de Arts Santa Mónica, comisariada por Maria del Mar Arnús.
El ‘archivo del modelo’ nos enseña una pequeña parte de su archivo fotográfico, la que pertenece a Leonard Manzini el cual, además de ayudante en el laboratorio fotográfico, en el taller de carpintería y en la preparación y acabados de pinturas, fue su modelo fotográfico para los estudios de obras monumentales. A través de estos estudios fotográficos podemos contemplar y calibrar el proceso de elaboración que explica el método definitivo y sistemático que permitirá al pintor formular su ‘corpu sertiano’.

Se formó en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona mientras trabaja como diseñador en la empresa familiar. Entra en el mundo del grabado de la mano de Alexandre de Riquer y forma parte del Círculo de Sant Lluch coincidiendo en él con Gaudí y Llimona. Entre 1914 y 1918, tiempo de guerra en Europa, Josep Mª Sert presenta una muestra de arte francés en Barcelona, y realiza decorados en edificios públicos y privados de la Ciudad Condal. Y su labor se abre camino en Madrid, Palacio de Liria; en Nueva York, hotel Waldorf Astoria y el Rockefeller Center; y en Londres, proyecto de escalera principal de la Tate Gallery.

Es una obra inmersa en un modernismo que aglutina la integración de las artes industriales con elementos tradicionales, desde el románico al gótico y el barroco, para narrar desde una concepción épica, con grandilocuencia, tiempos y espacios que marcan su cultura. Todo ello muy en el clima de la exposición “El archivo fotográfico modelo”, de Josep Mª Sert, en Arts Santa Mónica, de Barcelona, hasta el 11 de septiembre de 2011.

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