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Archivo para marzo, 2011

M.C. Escher vuelve a la Alhambra

Miércoles, marzo 30th, 2011

M.C. Escher. Universos infinitos es el título de la exposición con la que el Patronato de la Alhambra y Generalife y el Parque de las Ciencias de Granada rinden desde hoy homenaje al artista holandés con motivo del 75 aniversario de su visita a la Alhambra, lugar del que reconoció que era “la fuente de inspiración más fértil” de todas de las que había bebido. El consejero de Educación de la Junta de Andalucía, Francisco Álvarez de la Chica, ha inaugurado la muestra que se exhibe en una doble sede en la Capilla del Palacio de Carlos V y en el Pabellón Tecnoforo del museo científico.

Han pasado 75 años desde que Maurits Cornelis Escher (1898-1972, Holanda) apuntó esta anotación en su cuaderno de viaje sobre la segunda y última visita que hizo al monumento nazarí en 1936. Un espacio que le fascinó y que marcó un antes y un después en su trayectoria artística, tan influida por su profundo interés por las matemáticas, la arquitectura y la perspectiva.

Lo más fascinante

Con un diseño vanguardista, en la exposición, idea original y comisariada por Borja Ferrater, Juan Domingo Santos y Carlos Ferrater, el visitante conocerá el mundo interior del artista y sus trabajos más significativos a través de un recorrido por lo más fascinante de sus mundos imaginarios, en los que se ve el tránsito de la reproducción de la naturaleza hasta la manipulación de la realidad gracias a sus ilusiones ópticas y espacios imposibles.

 Un total de 135 obras originales, procedentes de la Fundación Escher, entre las que se encuentran títulos tan conocidos como Galería de Grabados, Manos dibujando, Cielo y agua, La cinta de Moebius o Metamorfosis II, componen esta muestra.

También instalaciones

M.C. Escher. Universos infinitos integra, junto a la obra del holandés, recursos artísticos como la instalación móvil que interpreta la obra Cielo y agua; las cajas mágicas que trasladan a los visitantes a los mundos infinitos de Escher mediante ilusiones ópticas provocadas por caleidoscopios que multiplican las imágenes; las Ventanas de la Alhambra, que conectan mundos contrapuestos, o el montaje audiovisual diseñado para la Capilla del Palacio de Carlos V.

En la Alhambra, los visitantes podrán ver las secciones ‘Los viajes a España’, ‘Escher y la Alhambra’ y ‘Audiovisuales’. En la primera, el recorrido partirá desde 1921, fecha en la que el artista llegó por primera vez al sur de Europa, hasta 1936, y podrán verse las reproducciones de las notas que tomó sobre el monumento y más de una decena de obras en las que plasma los paisajes que contempló en sus viajes a España e Italia.

Influencia islámica

La fascinación que sintió Escher tras visitar la Alhambra en dos ocasiones, en 1922 y 1936, queda de manifiesto en la segunda sección, sobre todo por el impacto que le causaron las formas geométricas del arte islámico, lo que le permitió investigar en la división regular del plano, la repetición, los espacios imposibles y las perspectivas complejas. Por último, y con la ayuda de casi una decena de audiovisuales, la Capilla del Palacio de Carlos V acogerá un documental sobre la vida y obra del artista.

Por otra parte, en el Parque de las Ciencias, la exposición partirá desde su primer período gráfico, de 1917 a 1937, con la sección ‘Representación figurativa’, que estará compuesta por 13 obras en las que se pueden ver algunas fundamentales de su primera etapa, como Saltamontes y Retrato del hombre barbudo. Después, en ‘Paisajes naturales y artificiales: el Mediterráneo’, se incluyen 38 obras, entre las que se encuentran La catedral sumergida y Callejuela cubierta en Atrani, que muestran el impacto vital que le causaron sus viajes al sur de Europa.

Gran obra maestra

En ‘Metamorfosis’, la tercera sección en la que podrán verse 17 obras, se expone su gran obra maestra, Metamorfosis II, en la que investiga la división geométrica tras su visita a la Alhambra. Por su parte, en Cruce de mundos, el espectador descubrirá en sus obras mundos imposibles y espacios contrapuestos a la realidad, como así ocurre con Manos dibujando y Tres esferas.

Las espirales, esferas y otras formas geométricas que Escher investigó sobre la proyección del espacio tridimensional en la superficie plana son protagonistas de la sección ‘Formas tridimensionales y matemáticas’, en la que podrán verse las obras Profundidad, Corteza y Lazo de unión. Las secciones ‘Geometrización del Plano’ y ‘Perspectivas’ y ‘Arquitecturas’ cerrarán el recorrido de la exposición en el Parque de las Ciencias.

Taller y página web

Junto a la exposición, también se ha organizado el taller de arte y geometría, en el que los participantes diseñarán mosaicos y teselaciones, encontrarán los ejes de simetría con la ayuda de los espejos y crearán mundos infinitos gracias al caleidoscopio.

Organizada por el Patronato de la Alhambra y Generalife, el Parque de las Ciencias y la Fundación M.C. Escher, esta muestra cuenta con un espacio web propio creado para facilitar el acercamiento de Escher a todos los visitantes y seguidores del artista, así como para conectar a los interesados con Granada y las dos sedes que acogen la exposición.

Expresión de sus propias fantasías

Maurits Cornelis Escher es conocido mundialmente por sus litografías y xilografías. En su mundo se reconoce una profunda observación de la realidad y la expresión de sus propias fantasías. Su obra artística es una muestra de las extraordinarias manipulaciones del espacio, el tiempo y la perspectiva, que reorganizó conforme a su personal e ingeniosa lógica. La simultaneidad de la perspectiva es el lugar común, el infinito es la dirección, lo negativo y lo positivo son intercambiables y la fascinación es el resultado.

Su desarrollo profesional se inicia en la disciplina arquitectónica aunque pronto la abandona y se dedica a las artes gráficas. Su visión le hizo constatar la importancia del método en el proceso de creación, lo que le llevó al estudio de las matemáticas. Es a partir de esta disciplina y, sobre todo, de la geometría, donde Escher construye sus diferentes ilusiones ópticas. Sus estudios con mallas reticulares en tres dimensiones y la partición regular del plano, dieron a su obra una cualidad espacial nunca antes conseguida, superando las leyes de la perspectiva que se habían mantenido vigentes desde el Renacimiento.

 

Granada. M.C. Escher. Universos infinitos. Alhambra y Parque de las Ciencias.

 

Del 29 de marzo de 2011 al 8 de enero de 2012.

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Reapertura del Museo del Greco de Toledo

Viernes, marzo 25th, 2011

El presidente de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, José María Barreda, y la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, han presidido hoy en Toledo el acto de reapertura del Museo del Greco, en cuya reforma, iniciada en 2006, el Ministerio de Cultura ha invertido más de seis millones de euros.

Con esta reapertura, el Museo comienza una nueva etapa en la que, respetando el pasado, apuesta por el rigor y la veracidad del discurso expositivo, lo que ha implicado un cambio de nombre, de Casa Museo del Greco a Museo del Greco, una nueva imagen institucional y nuevos programas de atención al público.

“Esfuerzo visionario”

 En su intervención, la ministra de Cultura ha afirmado: “Este Museo del Greco, que reinauguramos, es un buen ejemplo de esfuerzo idealista y visionario, porque gran parte de su origen se remonta a 1886, cuando Manuel Bartolomé Cossio inició ese larguísimo esfuerzo, ese trabajo para rescatar y recuperar a ese pintor que había sido absolutamente relegado por la historia, los cambios en los gustos, las modas, y desde luego, por la crítica, que lo consideraba en ese momento un pintor menor, incluso un poco maldito”.

La base sobre la que la nueva institución ha querido dar respuesta a las necesidades de un museo actual y de sus visitantes fue un estudio realizado entre 2002 y 2003, con cuyos datos, análisis y conclusiones se han ido conformando sus nuevos programas arquitectónico y expositivo.

Respecto a la exposición permanente, las actuaciones se han centrado en la adecuación de espacios e instalaciones, la realización de nuevos elementos de soporte expositivo, la correcta señalización de itinerarios y servicios, así como de los sistemas de iluminación tanto arquitectónica como expositiva.

Vuelta a casa

“El Greco vuelve a casa –ha afirmado el presidente de la la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha–. En Toledo estábamos impacientes porque se volviera a abrir su museo, porque es un lugar de referencia para toda la ciudad y porque, efectivamente, desde que el marqués de la Vega-Inclán tuviera esa idea genial de organizar, con el pretexto fantástico de El Greco, un lugar de referencia para que el ciudadano se acercara a Toledo, y estando en la ciudad, a su vez se acercara al Greco, ha ido dando unos resultados estupendos”.

Con el proceso de reforma también se han creado nuevos espacios públicos como el espacio de acogida, la recuperación de las cuevas medievales y del jardín histórico del Museo. También se han incorporado nuevos sistemas que permiten mejor accesibilidad a los visitantes, en especial a los usuarios con movilidad o audición reducida.

El alcalde de Toledo, Emiliano García-Page, destacó en el acto de reapertura la potencialidad de El Greco como motor turístico y señaló que el artista, en esa identificación con Toledo, “significa trampolín para alcanzar lo que ambicionamos, y es que la ciudad pase de 2,2 millones de visitantes a los tres millones a la vuelta de cinco, seis o siete años”.

Para celebrar la reapertura del Museo se realizarán unas jornadas de “puertas abiertas” con acceso gratuito al público general desde mañana al domingo.

Descargue el dossier completo sobre los trabajos de reforma. (489 KB)


El redescubrimiento

Desde la muerte del cretense, acaecida en abril de 1614, su arte fue cayendo en el olvido. Sus coloridas y alargadas composiciones dejaron de ser del gusto de sus contemporáneos que volvieron sus ojos hacia obras más realistas y cercanas, hasta acabar arrinconadas en el más absoluto desprecio e incomprensión. El Greco se convertirá en un pintor maldito, olvidado, extravagante y loco, creador de un arte alucinado y deforme, poco merecedor de estudios y de exposiciones hasta 1908, fecha en la que a raíz del estudio completo de sus obras que realiza el profesor de la Institución Libre de Enseñanza Bartolomé Cossío y de diversas muestras, comenzará a captar la atención de artistas y eruditos que redescubren en su pintura las técnicas más vanguardistas y las lecturas más dispares. El mito griego renacía para los modernos estudiosos y amantes del arte.

Entre estos amantes de la pintura destacaba Benigno Vega Inclán. El marqués, que combinaba a la perfección su faceta de marchante de arte con la de mecenas, ayudará a Cossío en su búsqueda de pinturas originales del cretense para poder realizar el catálogo completo de sus obras.

En una de sus estancias en Toledo será cuando –contagiado por el entusiasmo del profesor–, decidirá comprar una vieja y ruinosa casa en la judería toledana, muy cerca de donde estuvo la verdadera morada del Greco, el Palacio del Marqués de Villena, arrasado bajo el actual Paseo del Tránsito.

Don Benigno concibió un proyecto cultural que donará al Estado, integrado por la supuesta casa del Greco –amueblada por él mismo ayudado por Cossío y por el arquitecto Eladio Laredo con las numerosas piezas que compró al efecto– que además integraría un museo edificado de nueva planta para exponer los lienzos salvados de la ruina que se encontraban en San Juan de los Reyes, todo ello rodeado por un jardín salpicado de restos arqueológicos a modo de Cigarral toledano. El particular homenaje de Vega Inclán al Greco, inaugurado en 1910, constituye al actual Museo del Greco y es uno de los parajes más ensoñadores de la ciudad.

La colección

El conjunto de lienzos del Greco que Vega Inclán rescató de la destrucción, pagando su restauración, conforman su gran riqueza. Se puede apreciar un pequeño y excepcional conjunto de retratos, los de los hermanos Covarrubias, hijos del arquitecto de la Catedral de Toledo e ilustres humanistas; Las Lágrimas de San Pedro, compradas por el marqués en el comercio privado, constituyen un magnífico ejemplo de pintura devocional para oratorios privados. Pero la estrella de la muestra es el excepcional conjunto del Apostolado, una serie de doce apóstoles presididos por El Salvador, que configuran el conjunto más alucinado de miradas, gestos y actitudes que el visitante pueda contemplar. Ante su visión es imposible permanecer indiferente.

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Hoy se inaugura el Museo Carmen Thyssen Málaga

Jueves, marzo 24th, 2011

 Hoy, a las 20.00 h, se inaugura oficialmente el nuevo Museo Carmen Thyssen Málaga. Mañana abrirán sus salas al público y los primeros tres días (viernes, sábado y domingo) serán gratuitos para que los visitantes puedan conocer la nueva pinacoteca malagueña.

La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza se ubica en el Palacio de Villalón, una edificación palaciega del siglo XVI ubicada en la calle Compañía de Málaga, en pleno centro histórico de la ciudad.

Su colección permanente está compuesta por unas 230 obras que recorren el arte del siglo XIX español, con especial atención a la pintura andaluza. El conjunto del Museo Carmen Thyssen cuenta con una superficie total de 7.147 metros cuadrados, de los cuales 5.185 son de uso expositivo.

La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, prestada gratuitamente al Museo Carmen Thyssen Málaga, presenta un rico conjunto de extraordinaria coherencia, que arranca con una serie de piezas de maestros antiguos, entre los que destaca la Santa Marina de Zurbarán, y continúa con una serie de capítulos que permiten establecer una sólida historia de los géneros que protagonizaron la pintura española del siglo XIX, con especial atención a la pintura andaluza.

Pintura costumbrista

El paisaje romántico, representado por las obras de Genaro Pérez Villaamil o Manuel Barrón, evoluciona hacia la pintura costumbrista andaluza de los Domínguez Bécquer o Manuel Cabral Aguado Bejarano.

La atención a las más genuinas costumbres españolas se transforma a lo largo del siglo XIX: el costumbrismo da paso a la pintura preciosista, de la mano de Marià Fortuny, de la misma manera que el género del paisaje se desarrolla desde el romanticismo hacia el realismo.

Finalmente, las obras de Darío de Regoyos, Joaquín Sorolla, Hermen Anglada i Camarasa, Francisco Iturrino o Ignacio Zuloaga ejemplifican cómo el arte español de fin de siglo se integra claramente en los circuitos internacionales, constituyendo el colofón del rico y amplio recorrido que dibuja la colección.

Exposiciones temporales

Para complementar la exhibición permanente, el Museo, que estará en estrecha asociación con el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, ha previsto tres exposiciones temporales al año. En este sentido, el 11 de abril se abrirá al público la primera de ellas, De Picasso a Tàpies. Pintura española del siglo XX en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, compuesta por unas cuarenta obras.

El nuevo museo tendrá un horario de martes a viernes de 10.00 a 20.00 h, mientras que los sábados y domingos se prolongará su apertura hasta las 21.00 h. Los lunes permanecerá cerrado.

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Vermeer viaja a Múnich

Lunes, marzo 21st, 2011

Procedente de la National Gallery de Washington, la Pinacoteca Antigua de Múnich (Alte Pinakothek) acoge desde hoy, para celebrar su 175 aniversario, Mujer con balanza (1664), obra maestra de Johannes Vermeer (1632-1675). Esta exquisito óleo es un magnífico ejemplo de la reducida obra del autor, –solamente se le conocen entre 33 y 35 obras–, y de la atmósfera de tranquilidad que evocan sus escenas costumbristas y de género, un atractivo especial ausente en escenas similares de otros artistas de la época.

Esta es la obra estrella de la exposición Vermeer in Munich. King Max I Joseph of Bavaria as a Collector of Old Masters, que permanecerá abierta en la pinacoteca muniquesa hasta el 16 de junio. El célebre lienzo está acompañado por otras 20 obras de la Edad de Oro de la pintura holandesa. Jacob van Ruisdael, Paulus Potter, Willem van de Velde el Joven, Philips Wouwerman y Vermeer mostrarán la faceta como coleccionista de arte antiguo del rey Maximiliano José I de Baviera.

 

Paisaje y escenas costumbristas

Pintado en 1766, hasta 1826 esta obra de Vermeer formó parte de la colección privada del primer rey de Baviera, Maximiliano José I (1756-1825), que contaba casi exclusivamente con paisajes y escenas costumbristas de los maestros holandeses del siglo XVII, a los que se unieron obras de los pintores bávaros contemporáneos que se inspiraron en aquellos grandes artistas.

Tras la muerte del monarca, la colección real fue vendida en subasta. Algunas obras pasaron a formar parte de las colecciones estatales, otras se encuentran hoy en la Alte Pinakothek y algunas, como es el caso de este lienzo, se incorporaron a colecciones privadas y museos extranjeros. 

Total serenidadMujer con balanza –hasta hace poco conocida como La pesadora de oro o Joven pesando perlas– es un óleo sobre lienzo de 42 x 35,5 cm que representa la figura de una mujer joven y embarazada concentrada en ajustar una balanza vacía (símbolo de lo espiritual). Ante ella, una mesa con monedas y perlas (símbolo de las posesiones materiales), y, al fondo, el Juicio Final en un gran cuadro enmarcado. En una situación de total serenidad, la escena representada se convierte en una alegoría a la meditación y la reflexión sobre las virtudes de una vida justa y templada. La importancia del autoconocimiento también se manifiesta a través del reflejo en el espejo situado frente a la joven.

La estudiada composición, centrada en la pequeña balanza, la aparición de elementos cotidianos, la pincelada suave, el uso eficaz de la luz crepuscular y, no menos importante, el magistral contraste de colores, hacen de este lienzo uno de los trabajos más importantes en la obra de Vermeer y de la pintura de género del siglo XVII.

 

Múnich. Vermeer in Munich. King Max I Joseph of Bavaria as a Collector of Old Masters. Alte Pinakothek.

Hasta el 16 de junio de 2011.

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Sylvie Fleury, lujo y ‘glamour’ en el CAC Málaga

Lunes, marzo 21st, 2011

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, en colaboración con la Fundación Suiza para la Cultura Pro Helvetia, presentan desde hoy la primera exposición en España de la artista suiza Sylvie Fleury (Ginebra, 1961), un recorrido por su producción artística de los últimos 20 años que permitirá al espectador contemplar algunos de sus trabajos más representativos, con los que ironiza sobre el consumismo y el desasosiego que presiden la sociedad de nuestros días. Esculturas, murales, vídeos y neones son las piezas claves de una gran instalación con la que Fleury evidencia que nada es lo que parece, descubriéndonos la cara más destructiva de las ilusiones. La artista conduce al visitante al universo del lujo, la moda y las grandes marcas a través del arte para denunciar la superficialidad de un mundo caprichoso e insatisfecho. Sociedad de consumo La ansiedad reinante en nuestros días, fruto de una cultura popular que aboga por las posesiones materiales a toda costa, por el culto al cuerpo y por unos valores frívolos, es el argumento formal que preside el trabajo de Sylvie Fleury. Aunque en un primer momento sus obras pueden parecer una afirmación de la sociedad de consumo, lo cierto es que esconden una crítica ofensiva, mordaz e irónica hacia el mundo de la belleza, el lujo y la moda. El arte como medio para destapar el carácter maquiavélico de las ilusiones y para descubrir que el glamour y la exclusividad son fuentes de decepciones y desengaños. El CAC Málaga recorre la producción artística de Fleury desde principios de los 90 hasta nuestros días. Se han seleccionado más de un centenar de piezas que simbolizan sus intereses e inquietudes, así como la amplia variedad de recursos con los que trabaja. Reflejo de la cultura actual Para Fernando Francés, director del Centro, “el trabajo de Sylvie Fleury es un reflejo de la cultura pop y la devota connivencia por el consumo convulsivo e, incluso, neurótico. Tras la exclusividad y el lujo que caracterizan sus objetos se esconde la desilusión o el desengaño. Es difícil saber si verdaderamente idolatra estos objetos o si son un mero instrumento para satirizar una sociedad que venera el culto al cuerpo, la belleza y las posesiones materiales. Fleury ha desarrollado un idioma formal propio que es mucho más complejo y desconcertante de lo que en un principio pudiera parecer. Sus obras adquieren un valor intrínseco que exceden la mera afirmación de las marcas que las protagonizan, descubriendo glamurosas provocaciones”. Tras las promesas de felicidad, estatus social y sexo que se esconden en muchos de los productos y firmas con las que Fleury crea sus trabajos, subyace una visión grotesca y caricaturesca de los cánones y prototipos que difunden la cultura contemporánea: la delgadez como símbolo de belleza, el fetichismo por las marcas, el insaciable deseo por tener más y mejor… una espiral de vacuas pretensiones que plasma en obras como Cristalle Custom Commando-rouge (2008) o Miniskirts are Back (2009). Influencias del arte pop Las influencias del arte pop y de Andy Warhol en las obras de Sylvie Fleury son innegables aunque, mientras que el estadounidense denunciaba el poder de los medios de comunicación y el consumo de masas, Fleury hace lo propio con el estatus social que han adquirido las marcas de lujo, objetos de deseo y veneración a los que se les concede más importancia por lo que representan y que por su utilidad (White Gold, 2010 o Chanel Shopping Bag, 2008). Sin embargo, estas influencias no se limitan a la corriente pop, ya que su interés por la instalación y el arte post-conceptual se lo debe a Olivier Mosset y John Armleder (las Gold Fountain PKW, 2003), aunque en sus creaciones también hay referencias a Joseph Kosuth (Motormounths. Kosuth, 1996 o Champagne et Limousines, 2010), Jeff Koons (Purple Popcorn, 2008), Jenny Holzer (Yes to All, 2009), Piet Mondrian (Mondrian Dress, 1992), Victor Vasarely (Busty Vasarely, 2008), Donald Judd (Eternal Wow on Shelves, 2008) o Marcel Duchamp y sus ready-mades (Marcel et Robert, 2000-2010). Completa la exposición una selección de 15 vídeos de su producción videográfica, los cuales se proyectarán en bucle en el Espacio 5 del Centro. A principios de la década de los 90, Sylvie Fleury se convierte en figura clave del panorama artístico internacional gracias a su obra Shopping Bags, con la que llamaba la atención sobre los mecanismos que nos impulsan a desear determinados objetos de consumo. Desde entonces, su trabajo se ha expuesto en galerías y museos de todo el mundo y sus piezas forman parte de las colecciones de los grandes centros de arte mundiales. Málaga. Sylvie Fleury. CAC (Centro de Arte Contemporáneo).

Del 18 de marzo al 12 de junio de 2011.

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La belleza múltiple de Picasso se muestra en Málaga

Jueves, marzo 17th, 2011

La Sala de Exposiciones de la Fundación Picasso-Museo Casa Natal de Málaga acoge desde hoy la exposición Picasso: La belleza múltiple en la que se recorren las diversas concepciones de la belleza presentes en la obra gráfica del artista malagueño. Se trata de una exposición de producción propia, que alcanzó un gran éxito al mostrarse por primera vez en la ciudad mexicana de Mérida y que también ha pasado ya por Santa Cruz de Tenerife y Las Palmas de Gran Canaria.

La muestra, que consta de 53 grabados que Picasso pintó entre 1904 y 1971, recorre las diversas concepciones de su idea de belleza y, además, las diversas técnicas y etapas de la producción gráfica. La belleza múltiple está articulada en 10 secciones, cada una de ellas formada, dependiendo de los casos, por cuatro o cinco obras:

1. El ideal clásico. Formado en el academicismo de raíces clásicas de finales del siglo XIX, Picasso encontró en el mundo grecolatino un repertorio de imágenes que servirían de armazón a partir del cual derivar sus propuestas plásticas. De esta manera, es el clasicismo, rico en desnudos y en propuestas vitalistas, en líneas sinuosas y en el respeto a las proporciones, el ideal de belleza que tendrá una mayor perdurabilidad en su obra. 

2. El resurgimiento clásico. Al igual que sucedió con la recuperación de las formas y modelos de la antigüedad clásica en el Renacimiento, el malagueño también las sometería a revisión desde este nuevo punto de vista. Así sucede con los retratos de mujeres de perfil que apuntan incluso la influencia del Manierismo italiano y, desde una perspectiva más atenta a los detalles, la anécdota y los elementos decorativos, con su serie de La partida del caballero que remite a los desfiles triunfales de los murales italianos. 

3. El espejo ajeno. Fue en la segunda mitad de su vida cuando se vio capaz de reinterpretar a los artistas del pasado que más estimulaban su curiosidad. Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, fueron diversos autores los que supusieron para él un reto estético. Entre todos ellos, en su obra gráfica fue Lucas Cranach el referente preferido por su equilibrio entre erotismo y riqueza visual. 

4. Barroco: horror vacui. El interés por el equilibrio del clasicismo fue sustituido por el dinamismo turbulento del Barroco, por su propensión a llenar las escenas de elementos que ocuparan toda el espacio. También en Picasso se dio esa tendencia, que se iría afirmando de forma muy especial en la última década de su vida. Ejemplos de esta tendencia, con figuras que flotan en posturas forzadas, con el abigarramiento de personajes, son las ilustraciones para su libro Le cocu magnifique (1968). 

5. La belleza burguesa. En un regreso a sus orígenes, a la sociedad de la que surgió, el artista, hijo de un pintor de escaso éxito pero de muy cuidado aspecto, reaparece en la década de 1950 con una galería de figuras que recoge los atuendos y poses de la burguesía decimonónica. En esta labor de evocación se incluyen diversas litografías en las que retrata imaginadas familias, así como a León Tolstói, que realizó en 1956 para ilustrar Guerra y paz y que constituye un encubierto y elocuente homenaje a la figura paterna. 

6. Melancolías. La Fundación Picasso es depositaria de la Suite de los saltimbanquis, conjunto de grabados realizados por Picasso en el período 1904-1906, en el tránsito entre sus etapas azul y rosa. Estas imágenes, de raigambre simbolista, rinden culto a un ideal de belleza que es eco del “mal del siglo”, la melancolía considerada como un atributo de la belleza. Se incluyen en esta sección cuatro de los 15 grabados que constituyen esta cumbre de la obra gráfica picassiana.  Adquirida por la Fundación Málaga y depositada en la Fundación Pablo Ruiz Picasso, esta colección, que se conserva completa en escasas instituciones y museos, combina, con una altísima calidad técnica, los temas y figuras de ambas épocas. Así, se demuestra que desde sus inicios como grabador el artista malagueño era un indiscutible maestro.

En la exposición se incluye un grabado de la suite, El almuerzo frugal, que constituye una de las mejores obras de la época azul, una imagen mundialmente conocida y codiciada por los mejores museos internacionales, algunos de los cuales incluyen estas piezas en su colección permanente. Con una poética de la pobreza y una óptica compasiva, es una imagen de universal fama.

7. La belleza convulsa. En 1934, André Breton, creador e ideólogo supremo del Surrealismo, titulaba un artículo con la categórica afirmación de que “La belleza será convulsa o no será”, con lo que introducía el término preciso para dictaminar lo que era belleza para los surrealistas. Picasso, reconocido por los seguidores de Breton como el principal pionero de la nueva estética, cultivó profusamente la convulsión, la distorsión, como elementos principales de su obra surrealista. Esta sección recoge elocuentes ejemplos del convulso surrealismo picassiano. 

8. La belleza mixta. Artista inquieto e inconforme, el malagueño no se ciñó de forma perenne a ninguna formulación estética. Así, no es inusual encontrar en él, como se muestra en esta sección, escenas en las que une formulaciones clásicas con otras surreales, en una combinación en las que la calma figurativa y tradicional se armoniza con las tensiones de las formas en distorsión, proponiendo una síntesis muy personal de tradición y vanguardia. 

9. Belleza y verdad. El poeta romántico inglés John Keats, condensado discusiones de siglos acerca de la belleza, formuló taxativo su propia conclusión: “La belleza es verdad, la verdad es belleza: eso es cuanto sabemos –y debemos saber– sobre la tierra”. Esta afirmación se hace especialmente visible en Picasso en las escenas de familia, en las que retrata, con intensidad y veracidad, a sus hijos y compañeras. Estas imágenes intimistas son las que protagonizan esta sección. 

10. La belleza inmóvil. Menos conocida es la representación de temas inmóviles en la obra de Picasso, que por sus características ofrecen más posibilidades de un tratamiento geométrico, heredero del cubismo, que se plasma en visiones de paisajes, bodegones y naturalezas muertas. 

Picasso. La belleza múltiple. Fundación Picasso-Museo Casa Natal.

Del 14 de marzo al 12 de junio de 2011.

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El Museo de Arte Abstracto Español expone acuarelas y aguafuertes de Morandi

Jueves, marzo 17th, 2011

Esta pequeña-gran exposición de Giorgio Morandi, formada por tres acuarelas y doce aguafuertes realizados entre 1927 y 1962, mostrada el año pasado, meses de junio y julio, en la Fundación Juan March, de Madrid, incide en el marco del Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, sobre el espacio natural como lugar donde habitar y cohabitar desde la memoria. Porque todas las piezas comparten un foco temático común: la naturaleza muerta.

Como sugirió en su día Julián Gállego, estos bodegones son “como pequeñas aldeas, que nos invitan a que las visitemos”: como lugares impregnados de humanidad. Y así lo entendía Giorgio Morandi (Bolonia, Italia, 1890-1964), iniciado cuando tenia 17 años en la Academia de Bellas Artes de su ciudad, que se abre al espíritu del Renacimiento, estudia a los grandes maestros como Giotto, Masaccio, Uccello y Piero de la Francesca, para captar las circunstancias de la época desde su propia apreciación. Nunca visitó Francia que era el epicentro de la innovación artística. Tampoco gozó de mucha fama en vida; respetó la artesanía y creyó en el trabajo bien hecho, en la humildad ante la propia obra. Obra que ha trascendido y aparece como espejo donde se miran generaciones posteriores.

Tanto en la pintura como en su obra gráfica se centró básicamente en tres asuntos: paisaje, bodegón y retrato, fuera de todo encasillamiento; aunque las circunstancias de su tiempo apuntasen en la primera etapa un indicativo metafísico; empeñándose en investigar las técnicas del grabado, que llegó a dominar con precisión. Se trata de un trabajo devoto, impregnado de sobriedad, que marca el espíritu de las cosas. Para esta puesta en escena, los marcos de los doce grabados han sido montados a partir del así llamado ‘marco Gluck’, diseñado por el británico Hannah Gluckstein (1895-1978). La exposición “Giorgio Morandi: Tres acuarelas y doce aguafuertes”, en el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, seguirá abierta hasta el 12 de junio de 2011.

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Antológica de Baltasar Lobo en el IVAM

Miércoles, marzo 16th, 2011

 Arte Moderno (IVAM, Valencia), Consuelo Ciscar; el periodista y crítico de arte, Rafael Sierra, y el consejero delegado de Fomento Urbano, Enrique Calabuig, inauguran hoy a las 20.00 h una muestra antológica del escultor Baltasar Lobo (Cerecinos de Campos, Zamora, 1910-París, 1993).

La exposición reúne un centenar de obras, entre esculturas y dibujos, representativos de las distintas etapas de la producción creativa del artista desde los años 40 hasta sus últimas creaciones en la década de los 90. Una completa perspectiva de un legado que se ha mostrado en museos y espacios públicos de Francia, Alemania, Austria y Venezuela.

Superficies pulidas

Sus esculturas, a mediana y gran escala, se caracterizan por sus superficies perfectamente pulidas y el uso de materiales como el mármol, el alabastro, el granito, la madera o el bronce. El escultor español orientó su creación hacia el lenguaje de la abstracción, pero manteniendo la figura humana en el eje central de su creación.

Si algo buscó Baltasar Lobo una y otra vez fue atrapar la felicidad, el instante de dicha que las circunstancias de la vida le arrebataron,  pues vivió la tragedia de la Guerra Civil española y tuvo que marchar al exilio.

Paz anhelada

Esa paz anhelada y esa suerte de serenidad que se desprende de su trabajo la encontró Lobo en la plasmación de mujeres que contemplan el mundo desde una placentera actitud meditativa, conscientes siempre de su naturaleza femenina, fecunda, generosa, que juguetean con sus hijos, los alzan en brazos y los acunan entre sus piernas en actos de bondad y pureza.

Entre el primitivismo y el arte de vanguardia, entre el naturalismo y la abstracción, Lobo construye su lenguaje escultórico con las formas femeninas, las curvas, la sensualidad tranquila, reposada y delicada. Los cuerpos de sus mujeres en mármol o en bronce invitan a ser acariciados y recorridos. No es erotismo, porque no es el sexo lo que busca resaltar, sino la armonía, la ternura, la admiración hacia quienes son la fuente de la iniciación, de la vida.

Universo femenino

Es por ello que esta muestra de carácter antológico no deja de ser un homenaje al universo femenino, en el que aparece un lenguaje escultórico maduro que se puede apreciar en la rotundidad de los volúmenes, de gran perfección en el modelado de las formas.

Esto es especialmente elocuente en las piezas realizadas en mármol y bronce pulidos, en las que el escultor aprovecha la plasticidad táctil y luminosa del material para obtener obras radiantes, dotadas de una bellísima y oscilante transparencia interior.

Esta muestra cuenta, además, con un apartado dedicado a los dibujos que en diferentes técnicas fue elaborando Baltasar Lobo a lo largo de su carrera, como primeros trazos o esbozos, que ayudarían a formalizar la idea final de una figura escultórica.

Valencia. Baltasar Lobo. IVAM.

Del 15 de marzo al 1 de mayo de 2011.

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“Picasso, Miró y Dalí”, el nacimiento de la Modernidad, en el Palacio Strozzi de Florencia

Martes, marzo 15th, 2011
El año 1926, cuando Dalí tenía 22 años, visitó a Picasso, presentándose con un saludo de admiración: “Maestro, he venido a verlo antes de visitar el Louvre”. Este encuentro parece que solo se produjo en la fantasía de Dalí quien lo incluye en su ‘Vida secreta de Salvador Dalí por Salvador Dalí’. Pero sea cierta o inventado, el encuentro se inscribe en el clima surreal de la segunda mitad de los años veinte, ilustrados con obras como “Instrumentos musicales sobre una mesa”, de Picasso; “Pintura-Poema” de Miró; y “Arlequín”, además de “Academia neocubista (composición de tres figuras)” de Dalí.

La exposición “Picasso, Miró y Dalí. Jóvenes airados: el nacimiento de la Modernidad”, abierta en el Palacio Strozzi, comisariada por Eugenio Carmona y el suizo Christof Vitali, reune más de 60 piezas de los tres artistas españoles, además de un centenar largo de bocetos del cuaderno preparatorio de Pablo Picasso para realizar el cuadro “Las señoritas de Avignón”, de donde parte su caudal cubista, que abrió un nuevo venero en la Historia del Arte Universal. Se trata de una muestra en la que desde los últimos años veinte se repasa el trayecto picasiano y las aportaciones de otros dos artistas, que desde sus respectivas rebeldías, ahondaron en la modernidad hasta encontrar nuevos senderos innovadores.

Eugenio Carmona, catedrático de la Universidad de Málaga, dice que “los tres tienen varios puntos en común. Para empezar, ninguno de ellos quiso ser pintor abstracto. Además, y en una época en la que se pensaba que la modernidad implicaba necesariamente la ruptura con el pasado, ellos consiguieron hacer un arte revolucionario sin renunciar a sus referentes culturales, a sus raíces. Y a eso hay que añadir que, en sus respectivos periodos de juventud, los tres prefirieron ir por libre”. Tras el primer capítulo ya apuntado, la muestra va descubriendo en cuatro salas realizaciones de Dalí como “Paisaje de Cadaqués, de 1920, y “Retrato de mi hermana”, año 1925; “Autorretrato” y “Las playas de Cambrils” de Miró. Para en un quinto ámbito descubrir el mundo picasiano desde su llegada a París: “Madre y niño”, “Arlequín y su compañera”, “Planchadora” o “Cabeza de mujer”, fechados en los primeros años del siglo XX.

Es una retrospectiva desde la segunda mitad de los años veinte que contempla el primer cuarto de siglo. Eugenio Carmona explica: “Decidimos empezar la exposición por el final porque es el momento en que coinciden los tres artistas. Y, a partir de ahí, remontarnos hacia atrás en el tiempo”.

La exposición “Picasso, Miró y Dalí. Jóvenes airados: el nacimiento de la Modernidad”, en el Palacio Strozzi, de Florencia, seguirá abierta hasta el 17 de julio de 2011.

 

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Los ojos de Caravaggio

Viernes, marzo 11th, 2011

Hoy se ha inaugurado en Milán una gran exposición que ilustra los inicios del recorrido artístico de uno de los máximos exponentes del Barroco, Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio (1571-1610). Un total de 60 obras, que reconstruyen su formación artística desde su etapa como aprendiz del pintor Simone Peterzano hasta su traslado a Roma, –entre 1595 y 1596–, se incluyen en esta muestra, analizando a sus precursores y contemporáneos de las regiones italianas del Veneto y Lombardía y la influencia que tuvieron en su obra.

La exposición, titulada Gli occhi di Caravaggio. Gli anni della formazione tra Venezia e Milano (Los ojos de Caravaggio. Sus años de formación entre Venecia y Milán), recoge como en sus inicios, –al menos durante cuatro años–, en el estudio de Simone Peterzano en Milán, Caravaggio habría tenido la oportunidad de observar las obras de destacados artistas de Venecia, Milán y sus alrededores. Aunque, como recuerda el historiador Roberto Longhi, “no se puede trazar un itinerario exacto de sus viajes y desplazamientos como aprendiz, estos se sitúan en la zona que va desde Caravaggio, ciudad de la que más tarde tomaría su apodo, a las cercanías de Bérgamo, a Brescia y Cremona, y de allí a Lodi y Milán”.

 

Contexto artístico

Una vez abandonado el estudio y en sus años de formación, Longhi añade que las rutas trazadas por el pintor entre 1584 y 1589 deben interpretarse como de Lombardía. Algunos historiadores apuntan que probablemente en esta época también visitó Venecia. El arte en las regiones de Véneto y Lombardía, más próximo al naturalismo alemán que a la formalidad y grandeza del manierismo romano, inspiró y formó a Caravaggio, y emerge constantemente en sus obras.

La muestra agrupa obras de Giorgione, Tiziano, Tintoretto, Lorenzo Lotto, Jacopo de Bassano, Moretto de Brescia, Giovan Battista Moroni, Savoldo Gerolamo, Vincenzo y Antonio Campi, Giovanni Ambrogio Figino y Simone Peterzano entre otros, –algunas nunca antes expuestas–, que atestiguan la revolución en cuanto a la estética y la concepción de la figura humana en la relación con el espacio y la luz, elementos fundamentales en el desarrollo artístico del joven Caravaggio.

Extraordinarias obras

De los trabajos de Caravaggio se encuentran varios significativos ejemplos. Entre ellos, la Murtola Medusa (1596), que se puede considerar como el emblema de sus años de formación puesto que cierra su “período Lombardo” y da paso a su etapa romana. Es en ese momento cuando, como recuerda el comisario de la muestra, Vittorio Sgarbi, “de repente lo transforma todo, hasta el punto que los ecos de su revolución llegan a toda Europa, y no hubo gran artista de la época procedente de Francia, España, Alemania y los Países Bajos que no se acercara a contemplar la obra de Caravaggio”.

 La exposición también incluye otras dos obras religiosas del artista que pertenecen a su etapa romana: Descanso en la huida a Egipto (1597), de la colección Doria Pamphili de Roma, y La Flagelación de Cristo (1607), propiedad del Museo de Capodimonte (Nápoles), de una desgarradora y sensual belleza y que se exhibe en Milán por primera vez desde la exposición sobre Caravaggio de 1951, célebre por la abundancia de obras.

 La exposición también cuenta con descripciones y mapas históricos de las ciudades que visitó el genio barroco.

 

Milán. Los ojos de Caravaggio. Sus años de formación entre Venecia y Milán. Museo Diocesano.

Del 11 de marzo al 3 de julio de 2011.

Comisario: Vittorio Sgarbi.

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