Lamentamos comunicaros que el pasado 23 de Febrero, moría nuestro querido Joaquín Hidalgo.
Gran pintor y amigo vinculado a nuestra galería desde los inicios, deja un gran vacío en nuestros corazones.
Nuestro sentido pésame a la familia y a todo el mundo de las artes.
Adiós Quimet.
Los Reyes de España inauguran hoy en San Petersburgo el Año Dual España-Rusia 2011, una iniciativa que cuenta con un amplio programa de proyectos educativos, culturales, científicos y económicos y que pretende impulsar las relaciones entre ambos países. Dentro de este programa, Don Juan Carlos y Doña Sofía inaugurarán también hoy la exposición El Prado en el Hermitage, que presenta en el gran museo ruso una espectacular exposición que incluye 66 obras maestras de las escuelas española, italiana y flamenca de la pinacoteca madrileña que cubren un arco cronológico que va de 1450 a 1820.
Esta es la primera vez en la historia que el Prado presta un grupo de obras tan significativas para una exposición fuera de España. Su objetivo es mostrar al público ruso obras de una gran calidad estética y representatividad e importancia histórica, que coinciden con los hitos de la pintura europea.
Al servicio de la Corona
Todos los grandes maestros están presentes en esta selección: El Bosco, Durero, Rafael, Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez, Ribera, Murillo, Zurbarán, Giordano, Mengs, Tiépolo y Goya. Muchos de ellos estuvieron al servicio de la Corona española, por lo que la exposición quiere mostrar el papel que jugaron los reyes en la creación del Prado, con la presencia de los principales fundadores de la colección.
Los Austrias están representados por el emperador Carlos V, en el retrato de figura entera de Tiziano pintado en Bolonia en 1533; su hijo, Felipe II, retratado por Sofonisba Anguissola en 1565, y Felipe IV, pintado por Velázquez hacia finales de la década de 1650. Los Borbones, que también enriquecieron sustancialmente sus colecciones, estarán presentes a través de Felipe V, por Michel van Loo (h. 1737); Carlos III y su hijo Carlos IV, pintados por Mengs (1761 y 1765), y, por último, Fernando VII, retratado por Goya (1814-15). Fue precisamente este último monarca quien decidió crear el Museo del Prado en 1819, reuniendo en el austero y elegante edificio neoclásico construido por Juan de Villanueva obras de los sitios reales con la intención ilustrada de ponerlas a disposición del público y de los artistas, y de embellecer la capital del reino.
Todos los géneros
La exposición muestra los distintos géneros representados en las colecciones del Museo, desde la Venus recreándose con el Amor y la Música de Tiziano, Perseo liberando a Andrómeda de Rubens, y El nacimiento del Sol y el triunfo de Baco, de Corrado Giaquinto –gran boceto realizado para la bóveda de la Sala de las Columnas del Palacio Real de Madrid– de la pintura mitológica, al bodegón con la obra maestra de Sánchez Cotán, Bodegón de caza, hortalizas y frutas de 1602, la Cesta de Flores de Arellano, el bodegón “a lo divino” de Zurbarán del Agnus Dei, y dos obras de Luis Meléndez, el maestro indiscutido del bodegón español dieciochesco; desde el retrato de corte de Antonio Moro, Pantoja de la Cruz, Velázquez, al retrato “civil” de El Greco con su retrato más celebre, El caballero de la mano en el pecho, Paret y Goya; del paisaje –Claudio de Lorena, Watteau y Joli– a la pintura de género representada por el gran cartón de tapiz de Goya La vendimia o El Otoño, de 1786.
La pintura religiosa es un capítulo fundamental de las colecciones de la pinacoteca madrileña. Parte de las obras de esta temática proceden de las colecciones reales, como la Sagrada Familia del Cordero de Rafael, la Virgen del Rosario de Murillo o la Virgen de la Silla de Guido Reni, y otra parte ingresaron desde el antiguo Museo de la Trinidad, creado a partir de las obras de los conventos y monasterios nacionalizados con las leyes de desamortización de la década de 1830. En 1870 este Museo fue unido al Prado y de esta manera pinturas tan importantes como el Cristo abrazado a la Cruz del Greco o la gran Adoración de los pastores de Juan Bautista Maíno, de 1612, procedente del convento dominico de San Pedro Mártir de Toledo, llegaron a las salas de Villanueva.
A finales de año, será el Prado el que presentará los Tesoros del Hermitage (del 8 de noviembre de 2011 al 26 de marzo de 2012) a través de 160 obras –incluidas piezas arqueológicas, objetos de artes decorativas, pinturas, esculturas y dibujos– del museo ruso que mostrarán la variedad y amplitud de sus colecciones desde el siglo V a.C. hasta el XX.
San Petersburgo (Rusia). El Prado en el Hermitage. The State Hermitage.
Del 25 de febrero al 29 de mayo de 2011.
El Quatre, Sala d’Art ha vuelto a Madrid con motivo de la Feria Art-Madrid 2011. En el stand hemos mostrado obras de Toni Becerra, Pablo Maeso, Jesús Curiá, Juan Miguel Palacios y del malogrado Josep Cisquella.
El pintor flamenco Jan Gossaert (h. 1478-1532) es desde hoy el gran protagonista de una exposición en la National Gallery de Londres dedicada al Renacimiento nórdico, la primera gran muestra que se le dedica a este maestro desde hace casi 50 años.
Bajo el título Jan Gossaert y el Renacimiento se podrán ver alrededor de 80 lienzos de uno de los primeros artistas nórdicos que copió esculturas antiguas durante su viaje a Roma, a principios del siglo XVI. Sus contemporáneos italianos, en cambio, quedaron fascinados por el detalle, fiel a la naturaleza, de su pintura septentrional.
La exposición quiere reconocer el papel clave que Gossaert desempeñó como pionero artístico que rompió la barrera entre el Renacimiento del norte y el sur de Europa y preparó el camino a los artistas flamencos del futuro.
Sorprendente y versátil
Gossaert fue uno de los artistas más sorprendentes y versátiles del norte de Europa, cambiando el curso de arte flamenco, más allá de la tradición de Jan van Eyck, y trazando un nuevo territorio que eventualmente llevó a la gran época de Rubens.
El nombre del autor flamenco pronto comenzó a oirse entre los miembros ricos y extravagantes de la Corte de Borgoña. En 1508 formó parte de una embajada destinada al Vaticano, oportunidad que le convirtió en el primer artista del norte en viajar a Roma para hacer copias de escultura antigua. A su vuelta introdujo en los Países Bajos el estilo renacentista italiano a la hora de representar los temas históricos y mitológicos utilizando sensuales desnudos.
Algunas de las pinturas de Gossaert que representan desnudos pueden entenderse como una celebración o exaltación de los placeres carnales. El maestro revive el erotismo clásico, sus formas idealizadas, voluptuosas y seductoras también en la escultura, pintada para evocar el brillo del mármol.
La National Gallery de Londres cuenta con una de las mejores y más extensas colecciones de Gossaert del mundo, con la La Adoración de los Reyes (1510-15) como pieza central.
Londres. Jan Gossaert y el Renacimiento. National Gallery.
Del 23 de febrero al 30 de mayo de 2011.
Mostrar la transformación de la cultura europea acaecida en el intensamente agitado período de entreguerras es el propósito de la muestra Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936 que, patrocinada por la Fundación BBVA, acoge desde hoy el Museo Guggenheim Bilbao.
Caos y clasicismo realiza un recorrido por este período convulso de extraordinaria inquietud creativa y marcado por acontecimientos políticos de gran impacto que influyeron en el pensamiento creativo tanto positiva como negativamente, desde la idea mítica y poética de la vanguardia parisina al concepto político e histórico de un renovado Imperio Romano imaginado por Benito Mussolini; hasta la elevada modernidad neoplatónica de la Bauhaus; y, finalmente, hasta la escalofriante estética de la naciente “cultura nazi”. La exposición relaciona los principales movimientos que proclamaron la claridad visual y temática, el Purismo, el Novecento italiano y la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) a través de diferentes temas muy singulares y vinculados entre sí.
Retorno al clasicismo
Esta muestra incluye pinturas, esculturas, artes decorativas y diseños de moda producidos entre 1918 y 1936 en Francia, Italia, Alemania y España, y que evidencian un retorno al clasicismo en plena vanguardia. Resurgiendo del horror bélico, los artistas europeos deseaban recuperar el orden, la organización racional y los valores perdurables, en contraste con el prebélico énfasis de innovación a toda costa. Durante la siguiente década y media, el discurso del arte contemporáneo estaría dominado por el clasicismo y los artistas buscaron la recuperación del cuerpo humano y su representación completa e intacta. Como consecuencia, el equilibrio y la contundencia de las formas clásicas engendró una fusión de modernidad y antigüedad, alejándose de los espacios bidimensionales abstractos y de la fragmentación del Cubismo, el Futurismo, el Expresionismo y otros movimientos de vanguardia de principios del siglo XX.
Con más de 150 obras de distintas manifestaciones artísticas como pintura, escultura, fotografía, arquitectura, cine, moda o artes decorativas, esta exposición examina aquel “retorno al orden” por medio de más de 90 artistas, entre los cuales se encuentran algunos de los más grandes maestros modernos de la primera mitad del siglo pasado, como Balthus, Giorgio de Chirico, Jean Cocteau, Otto Dix, Pablo Gargallo, Hannah Höch, Fernand Léger, Henri Matisse, Ludwig Mies van der Rohe, Pablo Picasso o August Sander.
De Léger a Dix
En resumen, Caos y clasicismo, que hasta el 9 de enero fue expuesta en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (ver vídeo), es una muestra centrada en la estética clasicista que siguió a la inmensa destrucción de la Primera Guerra Mundial, examinando el período de entreguerras y sus manifestaciones artísticas más destacadas en Francia, Italia, Alemania y España: el sueño poético de la Antigüedad de la vanguardia parisina de Fernand Léger y Pablo Picasso; el renacimiento politizado del Imperio Romano bajo Mussolini con artistas como Giorgio de Chirico o Mario Sironi; y el utopismo funcionalista de la Bauhaus y el clasicismo de la exaltación de la raza aria, bajo el naciente régimen nacionalsocialista en Alemania, con artistas como Oskar Schlemmer y Otto Dix.
La presentación en el Museo Guggenheim Bilbao incorpora importantes ejemplos del arte español que adoptó esta vuelta al clasicismo, porque, pese a que España permaneció neutral durante la Gran Guerra, no fue ajena a los cambios políticos que el conflicto bélico acarreó. En 1931 se produjo la caída de la monarquía española y cinco años más tarde estallaría la Guerra Civil.
Martin Kippenberger (Dortmund, Alemania, 1953-Viena, Austria, 1997) pertenece a una generación de creadores alemanes que analiza el papel del artista en la cultura. Debido a su muerte prematura, solo recientemente se ha reconocido internacionalmente su trabajo. La exposición que el Museo Picasso Málaga (MPM) le dedica a partir de hoy es una de las más relevantes de las celebradas en España, país en el que vivió a finales de los años ochenta.
Fue precisamente durante su estancia en la localidad sevillana de Carmona, en 1988, cuando Kippenberger desarrolló una especial relación con la figura de Pablo Picasso, atracción que le llevó a pintar la serie Sin título (1988), una selección de las cuales se mostrará ahora en el MPM.
Kippenberger se interesó por las fotografías que David Douglas Duncan realizó a Picasso en los años sesenta. Le dejaron una profunda huella varios retratos que este fotógrafo realizó posteriormente de su viuda Jacqueline Roque tras la muerte del artista en 1973. Estas fotografías le inspiraron la serie de óleos Jacqueline: los cuadros que Pablo ya no pudo pintar (1996), de los que varios podrán verse en esta muestra.
Temas comunes
Kippenberger miró a Picasso propone una reflexión acerca de los temas comunes en ambos creadores, como es la pérdida, el reflejo de la experiencia personal en el arte y el retrato como género. En este sentido, incluye también una selección de obras del complejo Medusa (1996), en la que el artista alemán lleva hasta el límite el concepto del autorretrato como representación trágica de la propia existencia.
Comisariada por Eva Meyer-Hermann, ex conservadora jefe del Van Abbemuseum de Eindhoven, la muestra ofrece cerca de 55 trabajos entre pinturas de gran formato, dibujos y esculturas, así como una selección de más de 48 libros de artista y catálogos y más de 73 tarjetas y carteles diseñados por él mismo a lo largo de su carrera.
Málaga. Kippenberger miró a Picasso. Museo Picasso Málaga.
Del 22 de febrero al 29 de mayo de 2011.
Una vez más nos trasladamos por unos días a Madrid con motivo de la Feria ART-MADRID, la segunda en importancia de todo el Estado. Nuestro Stand es el A-20.
Nuestra propuesta muestra la obra de cinco de nuestros artistas.
TONI BECERRA
JOSEP CISQUELLA
JESÚS CURIÁ
PABLO MAESO
y
JUAN MIGUEL PALACIOS
Así mismo, L’Associació de Galeries d’Art de Catalunya ha escogido nuestra obra representada en la Tardor de l’Art 2010 y realizada por TATIANA BLANQUÉ para exponerla en el Stand de la Feria creado al efecto
Gracias a la remodelación de las salas permanentes de la colección de arte románico del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC, Barcelona), la Fundación Mapfre inaugurará el próximo miércoles, 9 de febrero, en su sede madrileña una gran exposición dedicada al románico que contará con cerca de 60 obras de gran relevancia.
Bajo el título El esplendor del románico, esta exposición presentará una espectacular selección de unas 60 obras maestras de la colección del MNAC, representativas de las diferentes técnicas: pintura mural, escultura en piedra y en madera, pintura sobre tabla y orfebrería. Entre las obras que viajarán a Madrid con motivo de esta muestra se encuentra el fragmento de la Lapidación de San Esteban, procedente de Sant Joan de Boí, la Majestad Batlló y un fragmento de las pinturas murales del monasterio de San Pedro de Arlanza (Burgos).
El MNAC conserva la más importante y variada colección de arte románico del mundo, entre la que destaca, por su carácter único, la pintura mural con los ábsides procedentes de las iglesias de los Pirineos, y entre ellos una de las grandes obras maestras de la historia del arte universal: el ábside de Sant Climent de Taüll. También cuenta con conjuntos extraordinarios, tanto por su calidad como por su cantidad, de escultura en madera y de pintura sobre tabla.
Nuevo discurso museográfico
El proceso de remodelación de las salas que albergan la colección de arte románico, cuya presentación actual se inauguró en 1995, se inició el pasado 15 de noviembre, con su cierre al público. Esta remodelación, que no afectará a aspectos arquitectónicos, supondrá una actualización de la presentación de las obras de arte y una puesta al día de las instalaciones y de la iluminación.
A principios de verano de 2011, la colección de arte románico volverá a abrir sus puertas con un nuevo discurso museográfico, que potenciará, además de la pintura mural, otras técnicas extraordinarias del arte románico catalán, como son la pintura sobre tabla y la escultura en madera, y con una puesta en valor de la orfebrería y la escultura monumental.
En la nueva presentación también se incorporarán aspectos que explican la génesis de la colección y la técnica de los arrancamientos de pintura mural; y se actualizará su lectura de acuerdo a las aportaciones realizadas en los últimos 15 años gracias a la investigación realizada en el propio Museo y por los investigadores del mundo académico.
Madrid. El esplendor del Románico. Fundación Mapfre.
Del 9 de febrero al 15 de mayo de 2011.
El Macba fue escenario anoche de la cuarta Nit del Galerisme. Una fiesta anual que, más allá de reivindicar su papel de agentes culturales – a veces se olvida que las galerías son fundamentales a la hora de dar a conocer a artistas emergentes, algunos de los cuales acabarán tiempo después en grandes colecciones y museos, yde conectarlos con coleccionistas, críticos y público-,sirve también para dar renovado impulso a proyectos comunes, como esa deseada feria de arte que ahora apunta al año 2012 y, en fin, concitar nuevas complicidades y reeditar otras que parecían olvidadas. Tal vez por ello, la presencia ayer de Jaume Plensa – acaso el artista barcelonés que goza de mayor proyección internacional, cuya única y última exposición institucional hasta la fecha en Barcelona tuvo lugar en 1998, en la Fundació Miró-tenía algo de necesaria reparación. Sobre él recayeron todas las miradas cuando, al inicio de la velada, el creador se acercó a recoger, de manos de Miquel Molins, director de la Fundació Banc Sabadell, el premio GAC a la trayectoria, un galardón honorífico que el pasado año recayó en Tàpies.
La galería Estrany-De la Mota (premio a la trayectoria), Cal Cego (coleccionismo), el filósofo Xavier Antich, colaborador habitual de La Vanguardia y el suplemento Cultura/ s (crítica de arte, “por ser uno de los pensadores que más atención ha prestado a la cultura en general y a las artes en particular”), ADN Galeria (galería joven por su proyección internacional), Helena Tatay (comisario de exposiciones), El Cultural de El Mundo (medio de comunicación) e Ignacio Uriarte en Nogueras Blanchard (mejor exposición en galería) fueron los ganadores de los premios GAC 2011, otorgados por un jurado integrado por el galerista Hug Malla, los críticos de arte Daniel Giralt–Miracle y Francesc Miralles, el coleccionistaÁlvaroLópez de Lamadrid, los galeristas Violant Porcel, Ramon Sicart y Toni Tàpies, la directora de la Fundació Francisco Godia, Sara Puig, y la de La Panera, Gloria Picazo.
La Nit del Galerisme contó con la presencia de unos 350 representantes del sector, desde directores de museos, como Bartomeu Marí (Macba), Rosa Maria Malet (Fundació Miró), Carles Guerra (Virreina Centre de la Imatge) o Vicenç Altaió (Arts Santa Mònica); coleccionistas como Josep Maria Civit y Lluís Bassat o directores de ferias de arte como Joaquín Díez Cascón (la barcelonesa Swab), Enrique Polanco (Just Madrid/ MadridFoto) o Carlos Urroz (Arco), que pudieron ver en primera persona cómo el alcalde Jordi Hereu avivaba la llama de una feria de arte propia, diferenciada y de prestigio en Barcelona. El proyecto, que en la pasada edición de la Nit del Galerisme recibió el espaldarazo institucional por parte del Ayuntamiento y de la Generalitat, continúa sin encontrar un director capaz de dotarlo de esa personalidad necesaria – su principal escollo-pero continúa adelante y galeristas e instituciones se emplazan ahora para el 2012.
El proyecto está impulsado por Fira de Barcelona, que se muestra cautelosa y pide calma para trabajar sin prisas. Fuentes de esta institución confirmaron ayer a La Vanguardia su deseo de seguir liderándolo, así como de la buena marcha de las reuniones. Pese a diferencias en cuanto al modelo, estos parecen estar de acuerdo en que aunque vivimos momentos de crisis, la coyuntura actual es un estímulo para jugar la partida. “Es el momento de lanzarse y de crear un evento internacional. Hay muchas fórmulas y será un éxito si logra la complicidad de todo el sector artístico”, coincide el delegado de Cultura del Ayuntamiento, Jordi Martí.
